러시아 민속 생활의 장식 그림 유형. 러시아 민화: 유형, 기법, 패턴 및 장식품 예술 그림

나무 장식 접시는 점토 접시보다 늦게 사용되었습니다. 컵, 그릇, 새의 목을 모방 한 이상하게 구부러진 손잡이가 달린 국자, 페인트 칠한 숟가락, 열매를 보관하는 용기, 상자, 상자 및 기타 러시아 오두막의 목재 가정 용품에는 장식품, 그림 또는 조각이 있습니다. 각 카운티 또는 지방에는 다른 도면과 구별되는 특징적인 특징이 있습니다. 나무 그림은 개략적으로 두 가지 주요 범주, 즉 꽃 장식과 인기 있는 판화(풍경 및 민속 생활 장면)로 나눌 수 있습니다.

나무 그림은 개략적으로 꽃무늬와 인기 있는 판화라는 두 가지 주요 범주로 나눌 수 있습니다.

더 이상 고민하지 않고, 주인은 이 스타일이 시작된 도시의 이름을 따서 그림의 이름을 지정했습니다.. 러시아 마을의 주요 그림 색상은 검정색, 빨간색, 노란색이었습니다. 원색과 그 색조를 더 많이 사용하는 것보다 일찍 등장한 장식 기법의 특징입니다.

메젠 회화의 특징

메젠 그림은 사슴과 말의 이미지가 특징입니다.. 조심스럽게 그려지고 사람의 이미지는 순전히 개략적으로 그려집니다. 이 그림에서는 패턴의 각 기호마다 고유한 해석이 있습니다. 제품 도면을 올바르게 그리려면 이 이미지 또는 저 이미지가 무엇을 의미하는지 알아야 합니다. 그 모든 것이 하나의 사진에 유기적으로 결합될 수는 없습니다.

메젠 그림은 사슴과 말의 이미지가 특징입니다.

1. 하늘을 가로지르는 태양의 움직임은 붉은 말로 표현됩니다.
2. 이 땅의 모든 것을 낳으시는 하늘 어머니를 사슴으로 형상화하였습니다.
3. 백조, 오리, 거위는 죽은 친척의 영혼을 상징하며 가족을 악으로부터 보호하고 경고하며 어려운 순간을 돕습니다.
4. 크리스마스 트리는 남성의 힘을 상징합니다.
5. 생명나무는 지하세계로 들어가는 뿌리와 나선으로 묘사되었습니다. 트렁크에 있는 다이아몬드의 수를 세어 가족이 얼마나 많은 씨족을 결속시켰는지 판단할 수 있습니다. 가계도의 꼭대기에는 하늘의 평화의 표시가 씌워져 있습니다.

이 그림은 루시의 세례 이전에 시작되었는데, 이는 분명히 이교 상징주의에서 유래한 것으로 보입니다. 메젠 다층 그림이 포함된 물레와 스케치는 지역 역사 박물관에서 볼 수 있습니다.

갤러리 : 나무 그림 (25 장)

Severodvinsk 그림 : 그 특징

Severodvinsk 그림은 국제적이라고 할 수 있습니다. 시간이 지남에 따라 북부의 뿌리는 북부로 이주한 다른 지역에서 더 나은 삶을 추구하는 고대 신자, 폴란드인, 상인 및 농민이 도입한 모티프와 혼합되었습니다.

Severodvinsk 그림은 국제적이라고 할 수 있습니다

Severodvinsk 그림은 디자인에 빨간색, 노란색 및 검정색을 사용했음에도 불구하고 다음과 같은 특징으로 인식할 수 있습니다.

• 이상한 꽃을 연상시키는 생명나무. 그 위에는 반구에 비둘기 두 마리가 앉아 있습니다. 이를 모티브로 나무로 만든 선물을 신혼부부에게 결혼식날 선물했다. 이 나무는 새로 만들어진 배우자의 부모보다 잎이 하나 더 많았습니다.
• 그림에는 시린 새, 인어, 그리핀 등 신화 속의 생물이 포함될 수 있습니다.
• 동물 중에서 Severodvinsk 주민들은 사자와 곰을 묘사했습니다.
• 그림은 세 부분으로 나누어져 있습니다. 세계의 구조에 대한 생각에 따라 지하 세계, 지구, 천구의 이미지로 구분되었습니다.

여러 측면에서 Severodvinsk 그림은 Permogorsk, Rakul 및 Boretsk 그림과 유사합니다.

종교적 의미가 없는 그림

Matryoshka 인형과 나무 도구는 종종 Polkhova-Maidan 그림 스타일로 장식됩니다.나무에 심플한 꽃무늬를 적용하는 작업이 포함됩니다. 이 그림에는 색 조합에 특별한 규칙이 없습니다. 필요한 유일한 것은 밝고 기쁨을 주는 장난감을 얻는 것입니다.

목재 3D 블록 및 평면 장식에 적합합니다.

Petrichov 그림은 나뭇잎, 꽃잎, 열매로 구성됩니다. 이러한 유형의 민속 공예품은 색상의 밝기에 만족합니다.

Polkhov 그림의 요소는 Khokhloma 그림과 적용 기술이 유사합니다. 하지만 이 예술 작품에서는 색상과 디자인 요소를 선택하는 데 엄격한 규칙이 없습니다.

Khokhloma 그림은 일반적으로 받아 들여지는 러시아 민속 공예 규칙을 따릅니다. 노란색, 검정색 및 빨간색이 사용됩니다. 그 중 하나는 다른 두 가지 색상과 함께 단계적으로 적용되는 패턴의 배경입니다.

Khokhloma 그림은 고전입니다. 세 가지 색상만 사용하는데 그 중 하나가 사진의 배경입니다. 이는 러시아 전통 회화에 사용되는 모든 색상이 될 수 있습니다. 그것들은 모두 서로 대조되므로 최소한의 노력으로 3D 효과를 칠하고 만들 수 있습니다. 이 그림에는 중간색조가 없고 밝고 채도가 높은 색상만 있습니다.

동일한 브러시 스트로크 기술을 사용하여 칠할 표면에 브러시를 다양한 각도로 눌러 Gzhel 그림을 재현할 수 있습니다. 이 유형의 그림은 흰색 표면에 파란색 디자인이 적용된다는 점에서 Khokhloma 및 Petrikovskaya와 다릅니다. 아마도 초보자의 경우 이 세 그림 중 하나를 선택하여 창의적인 여정을 시작하는 것이 가장 쉬운 방법일 것입니다.

상자의 도트 페인팅 방법(동영상)

나무에 고전 회화용 페인트

클래식하게 칠해진 보드, 상자, 가정용품을 적절하게 선택하고 처리하면 햇빛이나 물에 노출되어도 색상이 변하지 않습니다. 고대부터 장인들은 작품에 템페라 물감을 사용해 왔습니다.페인트를 만드는 가장 오래된 방법은 현대의 전문 목재 화가들도 사용합니다. 구성의 특징은 염료가 달걀 노른자에 갈아진다는 것입니다. 이 구성 요소가 기본입니다.

고대부터 장인들은 작품에 템페라 물감을 사용해 왔습니다.

생산 중에 그들은 템페라를 사용하기 쉽고 저렴한 유성 페인트로 대체하려고 노력했습니다. 이 실험은 태양에 노출되면 색상이 변하는 등의 특성으로 인해 빠르게 포기되었습니다. 차콜색이어야 할 과격한 검정색이 자외선의 영향으로 변했습니다. 녹색, 때로는 노란색 톤을 얻었습니다. 반대로 밝은 색상은 어두워집니다. 유성 염료의 두 번째 단점은 갈라지고 벗겨지는 능력입니다. 템페라는 다시 민속예술로 돌아왔습니다.

템페라 페인트의 종류

고품질 온도의 특성:

• 작업시 물에 쉽게 용해됩니다.
• 그것은 동질적입니다.
• 100% 적용 범위를 제공합니다(패턴이 투명하지 않음).
• 건조 후에는 물로 씻어낼 수 없습니다.
• 유성 및 수채화 물감과 달리 동결된 레이어가 깨지지 않습니다.
• 밀폐된 용기에 보관하면 곰팡이가 생기지 않고, 두꺼워지거나 분리되지 않습니다.

템페라의 구성은 매우 간단합니다. 에멀젼(베이스)과 염료라는 두 가지 성분만 있습니다. 페인트를 만드는 과정은 상당히 노동집약적이다. 템페라(Tempera)는 손으로 만들어지며, 베이스는 화강암이나 대리석 표면에 놓여지고 안료와 결합됩니다. 건조한 색상을 차임벨(크리스탈 유봉)로 접착제 또는 계란 베이스에 문지릅니다. 염료의 색상과 질감이 균일해질 때까지 이 과정이 계속됩니다.

주목! 크리스탈 차임 대신 견목이나 돌로 만든 유사한 품목을 사용할 수 있습니다. 페인트 성분이 금속과 상호 작용하는 것은 금기입니다.

기성품 템페라 물감

현대 템페라의 이름은 그것이 만들어진 기반과 일치합니다.

• 계란 기반 – 산업적으로 생산되는 페인트는 인공 유제를 사용합니다. 계란, 식물성 기름, 유성 바니시 또는 테레빈 유로 구성됩니다.
• 카세인 페인트는 주로 동물성 우유에서 추출한 복합 단백질로 만들어집니다. 카세인 에멀젼에는 오일과 수지가 포함되어 있습니다. 이 템페라의 품질은 계란 템페라의 품질보다 높습니다.
• 아라비아검은 색상이 풍부한 페인트 제조에 사용되는 접착제 베이스의 한 유형으로 명명되었습니다. 이 성분은 다른 과일나무의 수지로 만든 접착제로 대체될 수 있습니다. 위도에서는 체리 접착제가 더 자주 사용됩니다.

참고: 감자 전분으로 만든 다당류인 덱스트린은 전분과 포도당의 중간 단계입니다. 아라비아 검(Gum arabic)은 아라비아 검을 의미하며, 이는 아카시아 나무에서 공기로 경화된 수지입니다. 남위도 식물에서 추출됩니다.

현대 템페라의 이름은 그것이 만들어지는 기반과 조화를 이룬다.

초보 예술가를 위한 인공 페인트 유제는 PVA, 왁스 오일, 아크릴의 세 가지 주요 범주로 나뉩니다.

나무에 그림을 그릴 때 어떤 아크릴 물감을 선택하는 것이 가장 좋습니까?

디자인의 큰 요소를 칠해야 하는 경우 "임파스토" 기술을 사용하여 축축한 나무에 아크릴 페인트를 적용하는 것이 더 좋습니다. 그러나 원액 아크릴을 사용하면 민속 공예에서 요구되는 컬과 길쭉한 잎을 원터치로 만들기가 어렵습니다. 꽃 모티브의 가벼움과 경쾌함의 효과는 칠할 표면의 다양한 부분에 대한 브러시의 접촉 정도에 따라 달라집니다.

무광택 유제는 페인트의 기본 역할을 하며 안료는 페인트에 색상을 부여합니다. 민속 스타일로 그림을 그리려면 코팅 밀도가 높은 아크릴이 필요합니다. 건조되면 투명해지지 않아야 합니다. 따라서 특수 페인트는 유리에 디자인을 적용하는 데 적합하지 않습니다. 퍼프 페이스트리용 페인트와 패브릭 베이스에 페인팅하는 것도 가능합니다. 유일한 올바른 선택은 나무에 그림을 그리는 페인트를 구입하는 것입니다.

그림이 마르는 데 얼마나 걸리나요?

주 배경을 만드는 데 사용되는 페인트는 건조 시간이 가장 깁니다. 이는 완벽하게 균일한 톤을 만들어야 한다는 사실, 즉 그림 자체보다 더 두꺼운 층에 적용된다는 사실로 설명됩니다. 물에 적신 표면에 도포된 아크릴 베이스가 건조되는 데는 1시간도 채 걸리지 않습니다. 온도를 적용할 때도 거의 같은 시간이 필요합니다.

얇은 층에 도포된 작은 요소는 거의 즉각적으로 건조되며, 15-20분 이내에 더욱 철저하게 건조됩니다. 그러나 이는 물로 희석해야 하는 페인트에는 적용되지 않습니다. 아크릴의 특징은 물이 페인트를 훨씬 빨리 건조시킨다는 것입니다.

물과 접촉한 아크릴은 매우 빠르게 작업해야 합니다. 페인트를 묽게 만드는 데 물을 많이 사용할수록 페인트가 더 빨리 건조됩니다.

도마에 나무 블랭크를 칠하는 방법 : 초보자를위한 마스터 클래스

보드를 준비하려면 보드를 감자 전분에 담그는 것이 포함됩니다. 보드의 모든 작은 결함을 숨기고 얇은 프라이머 층을 제공합니다. 이 과정은 보드를 건성유로 덮으면 단순화될 수 있습니다. 톤을 사용하지 않는 북부 모티프를 장식으로 선택할 때 밝은 색상의 얼룩을 프라이머로 사용할 수 있습니다.

구아슈로 나무 블록을 칠할 수 있습니다. 이 기술은 어린이에게도 적용됩니다.

1. 도화지 한 장을 가져다가 나무에 디자인을 적용해야 하는 크기에 해당하는 영역을 선택하고 가장 큰 장식 요소의 영역을 표시해야 합니다. 그림과 같이 위치를 설명합니다.
2. 두 번째 단계에서는 윤곽선을 그리는 이미지가 자세히 설명됩니다.
3. 전사지를 사용하여 감자 전분에 담근 준비된 저지방 판에 이미지가 전사됩니다.
4. 다양한 색상이 혼합되는 것을 방지하려면 굽기 장치를 사용하여 윤곽선을 따라 작은 홈을 만들 수 있습니다. 이 윤곽선은 페인트가 섞이는 것을 방지합니다. 장식용 아크릴 페인트로 작업할 때 얇은 튜브 디스펜서를 통해 윤곽선과 얇은 요소를 직접 적용하여 연소 과정을 대체할 수 있습니다.
5. 표면 위로 올라온 윤곽선이 건조된 후 색을 채워야 합니다.
6. 작업의 마지막 단계는 칠해진 보드를 바니시로 코팅하는 것입니다. 2~3단계로 적용됩니다. 각 후속 레이어는 완전히 건조된 이전 레이어 위에 놓입니다.

주목! 두 번째 바니시 코팅은 이전에 적용된 코팅을 용해시키기 때문에 첫 번째 바니시 코팅을 건조하는 데 두 배의 시간이 걸립니다. 그 결과, 모놀리식의 내구성이 매우 뛰어난 바니시 층이 탄생했습니다.

초보자를 위한 간단한 패턴

나무 그림은 작은 세부 사항과 구불구불한 선을 용납하지 않습니다. 요소의 고르지 않은 가장자리는 촉촉한 표면에 반건식 브러시를 사용하여 스트로크로 재현됩니다.

가장 단순하지만 매우 인상적인 것은 마가목 다발, 단순한 잎 모양의 꽃 그림입니다.

나무 그림은 작은 세부 사항과 구불구불한 선을 용납하지 않습니다.

가장 간단한 꽃잎은 중앙이 어두워지면 볼륨이 커집니다. 이렇게 하려면 몇 개의 광선 스트로크를 만드십시오. 열매는 일반적으로 그리기 쉽습니다. 마가목 다발의 3차원성은 열매 이미지에 무작위로 위치한 난소의 검은 점으로 나타납니다. 꽃의 중심을 만들 때 이 기술은 디자인을 "볼록하게" 만듭니다.

작은 꽃도 간단하게 그려져 있으며 대략 동일한 점으로 개략적으로 구성되어 있습니다. 작은 요소가 큰 요소 위에 배치되어 그림에 볼륨이 부여됩니다. 위치의 대칭은 중요하지 않습니다. 평행한 긴 잎 사이의 거리에 더 많은 주의를 기울여야 합니다.

2014년 4월 30일

장식 및 응용 예술의 일종인 예술 그림은 민속 예술의 전통을 이어갑니다. 이것은 단지 특정 시각적 시리즈가 아니라 수십 세대의 거장들의 작업을 통합하여 시간을 초월한 것처럼 보이기 때문에 그 본질이 훨씬 더 큽니다. 그것은 농민 공동체 (가축 사육자, 농부, 사냥꾼)의 원산지 인 조국과 유기적으로 연결되어 있습니다.

미술 평론가의 예술 회화에 대한 견해

예술적인 그림은 천연 직물, 목재, 점토, 가죽, 돌, 뼈 등 쉽게 구할 수 있는 전통적인 천연 "민주적" 재료로 만든 제품에 적용됩니다.

17세기까지 그 새싹은 개별 자급 농민 농장에 존재했습니다. 기술은 대대로 가계를 따라 주인에 의해 전수되었습니다. 제품을 최적으로 표현할 수 있도록 구체적인 예술적 기술이 연마되었습니다. 장식을 적용하는 가장 표현적이고 의미 있는 방법이 선택되었습니다. 건축물의 그림은 천장, 벽, 금고, 들보 및 기둥을 장식했으며 일상 생활에서는 요리와 노동 대상을 장식했습니다.

17~18세기에 러시아의 미술 회화는 이미 시장용 상품을 만드는 공예로 변모하고 있었습니다. 이에 참여하기 시작하는 것은 개별 주인이 아니라 개별 지역과 마을입니다. 19 세기에는 회화 예술의 예술 조직이 일어났습니다. 예를 들어, 페도스키노 미니어처의 대가들은 1903년 개인 소유주가 몰락한 후 이러한 방식으로 스스로를 조직하고 그들의 예술품을 보존했습니다. 1876년에 A.A. Isaev 교수는 다양한 유형의 그림을 체계화하기 시작했습니다. 두 권으로 구성된 논문 "모스크바 지방의 화재"에서.

소비에트 권력의 20~30년대에는 민속 예술의 중심지가 역사적으로 발전하여 독창적인 유형의 그림을 개발한 장소에서 협력적인 어업 예술 작품을 만드는 데 중점을 두었습니다. 예를 들어 Nizhny Novgorod 지역의 Khokhloma 그림이 있습니다.

다른 유형의 장식 및 응용 예술과 마찬가지로 회화 개발 전략은 과학자이자 교사 인 Vasily Sergeevich Voronov가 "농민 예술에 관하여"라는 논문에서 개념화하고 설명했습니다.

현재 미술 회화 기업들은 러시아 시장과 해외 수요를 충족시키기 위해 회화 유형을 적극적으로 개발하고 있습니다. 페인팅 제품은 일상적인 기능을 유지하면서 미적, 예술적 가치를 점점 더 높여가고 있습니다. 생산에는 황삭 및 준비 작업에 최신 기계와 특수 장비가 사용됩니다. 몇 세기 전과 마찬가지로 주요 창작 작업은 마스터 아티스트가 수동으로 수행했습니다.

예술로서의 회화

국가 그림이 제품의 이미지 자체를 변화시킨다는 점을 주목하지 않는 것은 불가능합니다. 색 구성표, 선의 리듬 및 비례 수준에서 표현력이 더욱 높아집니다. 영혼이 제거된 산업제품은 예술가들의 노력으로 따뜻해지고 살아납니다. 후자는 장식품과 미술 요소(그래픽 및 회화)를 적용하여 달성됩니다. 다양한 종류의 그림은 어업의 지역성과 조화를 이루면서 특별한 긍정적인 감정적 배경을 만들어냅니다.

공식적으로 예술적인 그림은 붓을 사용하여 특정 표면에 물감을 바르는 방식으로 수행됩니다. 중요한 점은 주목해야 할 점은 통합적인 공간을 모델로 하는 회화와는 달리 회화는 항상 단편적이라는 점입니다.

디자인 전문가들은 종종 러시아 회화 현상에 대해 이야기합니다. 미니멀리즘, 모던, 컨트리 등 거의 모든 스타일과 보편적으로 조화를 이룹니다. 고대 거장이 만든 기술은 특정 지역의 여러 세대에 걸쳐 장인이 연마하여 특별한 문체 표현력을 만들어냅니다. 다행히 21세기 러시아에서는 Gzhel, Khokhloma, Boretskaya, Gorodets, Mezenskaya, Onega, Permogorskaya, Pizhemskaya, Polkhovsko-Paidanskaya, Puchuzhskaya, Rakulskaya 등 다양한 유형의 그림이 보존되어 발전하고 있습니다. 이러한 원래 스타일의 특징을 고려해 봅시다.

Khokhloma의 출현

실제로 금을 사용하지 않고 나무를 황금색으로 칠하는 능력은 12세기에 볼가 지역 숲의 비밀스러운 황무지에서 이 노하우를 발견한 분열주의 아이콘 화가들로부터 Khokhloma 대가들에게 전달되었습니다. 그건 그렇고, 그들은 그림을 제공하는 공예, 즉 회전과 고대 장식 예술에 익숙했습니다. 아마도 그들은 고대의 회화에도 익숙했을 것입니다.

볼가 지역 니즈니노브고로드 지역의 대규모 무역 마을인 호클로마는 숙련된 장인들을 자석처럼 끌어 모았습니다.

현대적으로 볼 때, 우졸라 강 유역을 따라 있는 여러 마을을 위한 지역 박람회는 러시아 국내 시장에만 효과가 있었던 것이 아닙니다. 부유한 상인들은 그곳에서 인기 상품을 대량으로 구입하여 수출용으로 운송했습니다. 따라서 Khokhloma 시장은 국내외 시장 모두의 "레이더 아래"에 있었으며 이는 품질 경쟁이 가격 경쟁보다 우세했음을 의미합니다. 진정한 인센티브가 창출되었습니다. 숙련된 사람의 기술이 그에게 실질적인 부를 가져다주었습니다.

전문가들의 연구에 따르면 12~17세기에 고대 니즈니노브고로드 유형의 목각화가 통합된 호흘로마(Khokhloma) 스타일이 진화했습니다.

17~18세기에 호클로마 스타일이 주로 형성되었습니다. 우리 시대의 초점은 다음과 같습니다.

Koverninsky 지역 마을 (Semino 및 기타)의 장인을 고용하는 공장 "Khokhloma Artist". 그들의 그림은 야생화와 산열매로 가득 차 있습니다.

협회 "Khokhloma Painting", Semenov. 협회의 주인은 전통적으로 환상적인 꽃이라는 주제를 발전시킵니다.

호클로마 기술

"가는 붓"의 수도원 기술은 가장 풍부한 꽃 디자인에 적용되었습니다. 제품의 품질이 큰 역할을했습니다. Khokhloma의 예술은 주인이 특정 기술을 고수한다는 것을 전제로 했습니다. 현재까지도 변함이 없는 것이 특징입니다. 단계를 순서대로 나열해 보겠습니다.

선반에서 나무 식기("린넨") 조각을 돌리는 작업,

특별히 준비된 점토("샤프트")의 액체 용액으로 공작물을 프라이밍합니다. 요즘에는 이러한 목적으로 인공 프라이머가 사용됩니다.

주석이나 은으로 주석 도금. 요즘에는 이를 위해 알루미늄을 사용합니다.

나무에 예술적인 그림을 그리고 오븐에서 제품을 건조시키는 것입니다.

니스 칠하고 뜨거운 건조.

제품의 집중적인 열처리를 통해 고대 러시아 화가들이 선호하는 색 구성표가 결정되었습니다. 금색과 빨간색 진사, 검정색의 조합입니다. 저것들. Khokhloma 스토브의 온도는 그러한 페인트의 밝기와 대비에 영향을 미치지 않았습니다.

Khokhloma를 그리는 방법

Khokhloma에 통합된 고대 유형의 나무 그림은 "배경"과 "산" 쓰기라는 두 가지 시스템을 결정했습니다. 시스템 이름 자체에는 주요 실루엣 윤곽선을 적용하는 방법이 포함되어 있습니다.

"상단" 시스템에는 색상이 지정된 실루엣 윤곽선을 금색 배경에 직접 적용하는 작업이 포함됩니다. 배경은 마스터가 검은색과 빨간색으로 "골든 컬"을 둘러싼 공간을 "스케치"하여 배경에서 직접 황금색 "윤곽선"을 형성합니다.

각 시스템은 동일한 유형의 Khokhloma 그림을 사용합니다. 그 중 네 가지만 있습니다: "컬", "베리 아래"(또는 "잎 아래"); "진저 브레드 아래"; "배경 아래."

"쿠드리나"는 매우 얇은 붓으로 그린 ​​"풀" 패턴을 암시합니다. 사초와 다소 비슷하지만 복잡하고 조화로운 역동적인 고리로 말려 있습니다. 전문가에 따르면 이것은 가장 오래된 장식품입니다.

"베리 아래"-더 두꺼운 브러시로 칠해졌습니다. 여기에는 "허브 베이스" 외에도 잎과 열매가 이미 나타납니다. 식물 형태가 양식화되고 결합됩니다. 같은 "줄기"에서 카모마일과 딸기 잎을 모두 볼 수 있습니다.

"진저브레드" 그림에는 특정 기하학적 모양(대부분 마름모)을 가지고 노는 작업이 포함됩니다. 그림은 측면의 "덤불"에 의해 생기가 넘치고 중앙의 태양에 의해 조명됩니다.

'배경 아래' 방법을 사용하면 식물의 윤곽선을 순차적으로 그린 ​​후 나머지 자유 배경을 대부분 검은색으로 칠합니다.

각 마스터의 브러시의 고유성 덕분에 Khokhloma는 독특하고 흉내낼 수 없습니다. 위에서 논의한 그림 유형이 번갈아 가며 황금색, 빨간색, 검은 색의 조화로 눈을 즐겁게합니다.

그젤. 도자기용 점토 찾기

예술적 회화 예술로서의 Gzhel은 모스크바 지역의 현대 Ramensky 지역 영토에서 태어났습니다. 예전에는 이 장소를 Gzhel volost라고 불렀으며 Bokhteevo, Volodino, Gzhel, Kuzyaevo, Novokharitonovo 및 Turygino 마을이 이 지역에 있었습니다.

17세기까지 지역 농민들은 점토로 비교적 원시적인 유약을 바른 도자기를 생산했습니다. 도자기 생산에 적합한 지역 점토의 산업 발전으로 상황이 바뀌었습니다. 출발점은 1663년에 약종상 선박 생산에 "적합한 점토"를 발견하라는 차르 알렉세이 미하일로비치의 명령이었습니다.

실험은 성공적이었고 1710년에 약국에서 현지 원료를 사용하기 시작했습니다. 약사들은 점토의 품질을 칭찬했고, 산업가들이 점토에 관심을 갖게 된 순간이 왔습니다. 그들은 도자기 생산에 적합한 원료에 관심이 있었습니다. 차르의 법령에 따라 모스크바의 도자기 공장 소유주인 Afanasy Grebenshchikov와 마르부르크 대학에서 광산 공학 교육을 받은 Porcelinovo 제조소의 엔지니어인 Dmitry Ivanovich Vinogradov를 포함하는 위원회가 1844년에 창설되었습니다. . 우리는 적합한 점토를 찾는데 5년을 보냈습니다. 1849년, 8개월 간의 연구 끝에 점토를 추출하여 일류 도자기를 생산했습니다. Vinogradov의 동료 학생인 M.V. Lomonosov 자신도 그들의 품질을 높이 평가했습니다.

그젤. 생산 개발

산업가 Grebenshchikov는 모스크바 공장에서 발견된 원자재를 사용하기 시작했습니다. 그러나 우리가 언급했듯이 Gzhel 마을과 그 주변 마을의 똑똑한 사람들은 이미 도자기 기술을 가지고 있었고 더 높은 품질의 점토 사용의 이점을 깨달았습니다.

A. Grebenshchikov 공장의 생산 직원 인 우수한 컨설턴트가 마을에 살았 기 때문에 상황이 활발하게 진행되었습니다. 1750년부터 1820년까지 장인들은 직사각형 주전자, 접시, 머그, 접시 등 마졸리카를 생산했습니다. 흰색 바탕에 녹색, 노란색, 파란색, 가지색 물감을 사용하여 장식화를 그렸다. 이미지에는 중앙에 새가 포함되어 있고 그 주변에는 나무, 관목, 집이 있었습니다. (즉, 원시적인 유형의 식기 그림을 시연했습니다). 요리에 대한 수요가있었습니다. 품질경쟁이 일어났습니다. 지도자들은 "외국" 요리와 동일한 고품질 반제품을 생산하는 이전 도자기 공장이었습니다.

이 기술은 80년에 걸쳐 연마되었으며 1820년부터 거의 모든 Gzhel 장인이 세미 파앙스(Semi-Faience)를 생산해 왔습니다. 이것은 Gzhel 예술의 전성기입니다. 거장의 제품은 Hermitage에서도 볼 수 있습니다. 이 식기는 러시아에서 가장 훌륭하고 우아한 것으로 간주되기 시작했습니다. 특징적으로 칠해진 Gzhel 찻주전자, 그릇, 접시가 상인과 귀족의 집과 선술집을 가득 채웠습니다. 그림의 종류가 개선되고 있습니다. Gzhel은 아르한겔스크에서 아스트라한까지 전국에서 구입되어 중앙아시아와 중동으로 수출됩니다. 제품은 약 30개 공장에서 생산됩니다. Gzhel 생산에는 Barmins, Guslins, Gusyatnikovs, Kiselevs, Terekhovs, Sazonovs와 같은 제조업체가 참여하고 있습니다.

불행하게도 1860년부터 그젤 그림은 쇠퇴하기 시작했습니다. 수백 명의 소규모 제작자와 수십 명의 중소 제작자의 경쟁으로 탄생한 민속 예술은 대규모 독점의 실용주의에 의해 압박을 받고 있습니다. 독점 기업 중에는 M. S. Kuznetsov가 눈에 띄었으며 5개의 공장과 연간 생산량이 210만 루블에 달했습니다. 다른 모든 제품의 생산 능력은 Kuznetsov의 14%였습니다. 사실 창의성을 "분쇄"한 것은 제조업체 Kuznetsov였습니다. 경쟁이 사라지고 동기가 감소하며 품질이 저하되고 쇠퇴가 시작되었습니다.

예술가들이 Gzhel을 그리는 방법

Gzhel은 고전적인 유형의 예술적 그림을 사용하여 각 마스터가 자신의 개별 기술을 만든다는 점에서 독특합니다.

이것은 미묘한 예술입니다. 주된 역할은 붓이 움직이는 방식으로 나타나는 주인의 경험에 속합니다. 동시에 눈처럼 하얀 도자기 위에 강렬한 파란색에서 흐릿한 파란색으로 조화로운 색상 변화를 얻습니다. 이 모든 것은 하나의 단일 페인트, 즉 코발트로 칠해져 있습니다. 패턴은 "처음으로" 표면에 빠르게 적용됩니다.

작가의 실력이 왜 중요한가요? 처음에는 그림의 실제 색상이 보이지 않습니다(코발트의 특징). 묘사된 모든 것은 하나의 색상으로 보이며 Gzhel이 가마에서 구워질 때만 디자인이 전체적으로 나타납니다.

Gzhel의 구성은 무엇입니까? 그것의 중심 역할은 일반적으로 장식된 꽃이 담당합니다. 그것의 측면에는 나뭇잎과 열매가 풍부한 조화롭게 구불 구불 한 "허브"플롯이 있습니다. 이 그림에는 동물적인 장면이나 일상 생활과 관련된 장면(예: 집)이 짜여져 있습니다.

실제로 이런 그림은 어떻게 얻나요? "처음으로 그린"Gzhel의 예술적 그림 유형은 실제로 획을 적용하는 방법으로 귀결됩니다. 그 중 네 가지만 있습니다: 음영 처리된 브러시 스트로크, 하나의 브러시로 페인팅, 시칙 패턴 및 보완 이미지.

망상 음영 붓놀림은 작가의 특별한 붓 회전을 통해 코발트 도포 강도를 다양하게 하여 색상 범위가 넓은 것이 특징입니다.

하나의 브러시로 페인팅하는 것은 이후의 각 획이 이전 획과 톤이 다르다는 사실이 특징입니다. 동시에 스트로크의 강도가 점차 감소하여 "가벼워집니다".

시칙 패턴이 가장 얇습니다. 브러시의 한쪽 끝으로만 그려집니다.

그젤이 사용하는 회화 그림의 유형은 자연의 모티프를 사진적으로 복제하는 것이 특징이 아니라 예상치 못한 구성으로 재해석되어 제시된다. 작가가 재해석한 파란 튤립, 과꽃, 카네이션, 장미 등의 파란 잎과 꽃잎은 새나 동물의 윤곽을 따라 그린다. 때로는 양식화된 일상 물건이나 물건(예: 농민 오두막)의 윤곽을 그립니다.

"잔디" 유형의 보완 이미지(덩굴손, 나선형, 음영 요소, 다양한 획, 기하학적 조각)는 이미지 완성도를 제공하고 필요한 액센트를 만듭니다.

Polkhov-Maidan 그림의 출현

러시아 민화는 다양하다. 아마도 그 유형의 다양성은 전문 논문에서 설명할 수 있지만 기사에서는 설명할 수 없습니다. 그러므로 우리의 임무는 더 겸손합니다. 우리는 이미 가장 "홍보된" 그림 유형인 Khokhloma와 Gzhel을 명명했습니다. 그러나 다른 것들도 있고 모두 원본이며 꽤 많습니다. Boretskaya, Gorodetskaya, Mezenskaya, Onezhskaya, Permogorskaya, Pizhemskaya, Polkhovsko-Maidanskaya, Puchuzhskaya, Rakulskaya 등 몇 가지 이름을 지정해 보겠습니다. 이 기사에서 그들 모두에 대해 자세히 이야기 할 수는 없지만 그중 유일한 Polkhov-Maidan에 대한 설명을 제시하겠습니다.

이 그림은 20세기 초 니즈니노브고로드 지역의 보즈네센스키 지역에서 시작되었습니다. 여기 Polkhovsky Maidan 마을과 Voznesenskoye 마을에서는 18 세기 말 Sarov Monastery 승려들의 전환 무역이있었습니다. 농민들은 또한 회전 기술을 배워 목제 도구를 제조하는 숙련된 장인이 되었습니다. 장인들은 또한 "tararushki"라고 부르는 재미있는 물건, 즉 휘파람, 버섯, 중첩 인형, 부활절 달걀, 어린이 장난감을 만들었습니다.

그림 창작의 원동력은 농민 Polin Pavel Nikitich가 불타는 장치를 구입 한 것이었으며 1926 년부터 농민의 깨어 난 창의력으로 인해 유성 페인트로 제품을 칠하게되었고 1933 년부터는 아닐린 페인트로 대체되었습니다.

Zagorsk, Merinov 및 Semyonov 주민들이 Polkhov 주민들의 창의성을 채택한 후 새로운 유형의 중첩 인형 그림이 만들어졌습니다 (이 주제는 나중에 다루겠습니다).

Polkhov-Maidan 스타일의 회화 기술

먼저, 목재 제품의 표면을 샌딩하고 전분 페이스트로 프라이밍했습니다. 그런 다음 그림의 윤곽을 잉크로 그린 후 그림이 완성되었습니다. 이를 위해 빨간색, 노란색, 녹색, 파란색의 네 가지 색상의 페인트가 사용되었습니다. 그런 다음 그림의 윤곽선을 검정색으로 윤곽을 그리는 것으로 구성된 Polkhov-Maidan 스타일의 특징적인 예술적 단계인 "포인팅"이 수행되었습니다. 이러한 유형의 그림에는 색상 오버레이와 같은 기술이 포함된다는 점을 덧붙여 보겠습니다.

이 유형의 예술은 또한 윤곽 없는 페인팅이라는 특별한 기술을 사용합니다.

우리가 이런 유형의 그림을 언급한 데에는 이유가 있습니다. 그것은 90년대까지 소련에서 번성했습니다. Voznesensk 공장에서는 5천 명이 일했습니다. 이들 중 40%는 그림을 그리는 예술가이고, 나머지는 터너이다. 그들은 창의적으로 일에 접근했고 공장에는 창의적인 실험실이 있었습니다. 제품은 미국과 유럽 국가로 수출되었습니다. 오늘날 공장에서 정한 전통은 기업가에 의해 개발되고 있습니다.

마트료시카 폐하

러시아 회화가 항상 진화적으로 발전한 것은 아닙니다. 그 견해는 때때로 "수세기의 깊이"에서가 아니라 예기치 않게 발생했습니다. 그것은 한 창의적인 러시아 거장의 통찰력에 의해 만들어졌습니다. 이것이 중첩 인형에게 일어난 일입니다. 이것은 러시아 고유의 발명품이 아닙니다.

마트료시카는 19세기 Sergiev Posad의 Rus'에 등장했습니다. 1898년 예술가 Sergei Vasilyevich Malyutin의 아내는 4개의 인물이 더 포함된 노인 Fukuruma의 입상을 일본에서 가져왔습니다 (그런데 일본 전설에 따르면 그러한 최초의 입상은 러시아 승려가 만들었습니다). Sergei Vasilievich는 자신의 아이디어를 "러시아어로"재검토했습니다. 전형적인 러시아 가족을 모델로 삼는 훌륭한 아이디어가 생겼습니다. Matryona라는 이름은 당시 Rus에서 인기가있었습니다. 또한 Milyutin이 믿었던 것처럼 그것은 가족의 어머니에 대한 고대 로마 이름을 반영했습니다.

Sergei Vasilyevich는 8개의 부착물이 있는 조각상 그림을 그렸습니다. 그 여자 뒤에는 검은 수탉을 안고 있는 딸이 있었고, 그 다음에는 아들이 있었고, 그 다음에는 또 소녀가 있었습니다. 여덟 번째 인물은 아기였습니다. 그들의 모양은 터너 V.P. Zvezdochkin이 나무로 조각했습니다. Sergei Vasilievich 자신이 그림을 그렸습니다.

중첩 인형 생산. 그림의 종류

중첩 인형의 세계적인 인기와 세계의 인정은 1900년 파리 세계박람회로 거슬러 올라갑니다.

민속예술이 중첩 인형을 지나갈 수 있을까? 이미 1899년에 전체 Sergiev Posad는 소녀와 여성, 붉게 물든, 카프탄과 앞치마 또는 스카프와 선드레스, 바구니, 애완동물, 새, 꽃과 같은 새로운 매력적인 인형을 생산하고 있었습니다. Zagorsk 스타일(아시다시피 Sergiev Posad는 Zagorsk로 이름이 변경됨)은 그림 같은 스타일과 작은 세부 사항에 대한 관심으로 구별되었습니다.

1922년부터 니즈니노브고로드 지역의 메리노프(Merinov) 마을에서도 마트료시카 인형이 생산되기 시작했습니다. Sergievskaya matryoshka 인형을 구입 한 현지 터너 A. F. Mayorov는 "자신의 것"으로 변했습니다. 그의 딸이 그림을 그렸습니다. Merinians는 이러한 복잡한 인형 제작을 빠르게 마스터했습니다. Merinovskaya 중첩 인형은 Zagorsk 인형보다 디테일이 덜하지만 매우 밝습니다.

세 번째 "중첩 인형 예금"은 터너와 그림으로 유명한 Polkhovsky Maidan 마을이었습니다. Polkhovskaya 중첩 인형에는 고유한 특징이 있습니다.

작은 획으로 덧칠된 얼굴;

마트료시카의 뒷면 2/3에서 스카프의 윤곽선과 선드레스(스커트)의 선 위치는 주홍색(빨간색) 또는 녹색으로 칠해져 있습니다. 스카프의 색상이 그것과 대조됩니다. 마트료시카의 이마 부분에는 가문비나무 장미꽃이 그려져 있습니다. 앞치마는 목부터 땅까지 표시되어 있습니다. 앞치마 그림은 "타원형을 따라" 그룹화됩니다. 가운데에는 장미, 잎, 열매가 열린 가지가 있습니다. 이 구성은 데이지와 물망초로 보완됩니다.

만들기 가장 어려운 것은 Vyatka의 중첩 인형으로, 현지 장인이 빨대를 박아 넣습니다.

결론

장식 및 응용 예술의 일종인 러시아 예술 그림은 깊은 민속 전통, 조국이 무엇인지, 가족이 무엇인지에 대한 사람들의 인식을 기반으로 합니다. 그것은 우리 조상의 수세기 된 삶과 연결되어 있으므로 페인트 제품은 따뜻함, 인간성, 삶에 대한 창의적인 태도를 담고 있습니다. 그들은 현대인의 삶을 정말로 꾸미고, "비인격성"을 대체하고 생활 공간을 꾸미는 요소를 소개합니다.

예술적인 그림은 또한 우리 삶에 몇 가지 액센트를 더해 연속성, 조국, 그리고 우리 주변의 삶을 더욱 아름답게 만들어야 하는 모든 사람의 보편적인 인간 의무를 상기시켜 줍니다.

그 역사는 기원전 2세기까지 거슬러 올라간다. 즉, 사람들이 철을 만드는 법과 그로부터 다양한 칼, 스크레이퍼, 톱 및 기타 절단 도구를 배웠을 때입니다.

그러나 단순히 나무로 제품을 조각하는 것만으로는 충분하지 않았고, 사람들은 자신의 작업 결과가 아름답게 보이기를 원했습니다. 이것이 원시적이고 예술적과는 거리가 먼 고대 목화가 등장한 방식이지만 예술의 탄생이 일어났습니다. 그 먼 옛날에는 이미 물감이 존재했고, 남은 것은 물감을 바르게 바르는 일뿐이었습니다.

나무에 예술적인 그림

오늘날 가정용품을 만들기 위해 존재하는 민속공예품은 다양한 기술을 기반으로 합니다. 목재 제품은 우선 접시와 주방 용품 등 여러 카테고리로 제공됩니다. 두 번째 목록에는 미술을 대표하는 항목이 포함되어 있습니다. 이들은 페인트 패널, 실내 장식 및 다양한 가정 용품입니다. 마지막으로 세 번째 카테고리는 특별한 앤티크 방식으로 칠해진 빈티지 스타일의 목재 가구입니다. 세 가지 경우 모두 나무에 예술적인 그림을 그리는 것이 사용됩니다. 전문가들이 작업하기 때문에 제품의 가치는 의심할 여지가 없습니다.

품종

목판화는 여러 유형이 있으며 특정 지역에 속하는 것과 스타일이 다릅니다. 그림은 줄거리일 수도 있고 장식적일 수도 있습니다.

나무에 그리는 종류:

• 메젠스카야;
• 폴호프스카야;
• 호클로마;
• 고로데츠;
• 팔렉;
• 세베로드빈스카야;
• 페트리코프스카야

나무 그림의 주요 유형이 나열되어 있습니다. 각 품종에는 제품에 추가적인 매력을 부여하는 "브랜드" 기능이 포함되어 있습니다.

메젠 그림

Mezen 그림 (또는 palaschelskaya라고도 함)은 국자, 상자, 물레, 벤치 및 식탁과 같은 가정 용품 그림입니다. 이러한 예술적 전통은 1815년경 메젠 강 하류에서 나타났습니다.

메젠 그림은 주로 사슴과 엘크, 울버린, 여우, 새끼 곰 등 숲 속 주민의 장식된 이미지로 구성됩니다. 모든 이미지는 비개인적이며 정적이라는 도장을 찍고 있습니다. 밝은 색상으로 칠해진 반복적으로 반복되는 인물로 구성된 프리즈는 축제 분위기와 도전적인 고급스러움의 인상을 줍니다. 화려한 줄무늬 장식의 장식이 러시아 가정의 지저분한 가구와 어울리지 않기 때문입니다. 메젠 양식으로 칠해져 어두운 구석에 화려한 색채로 반짝이는 원시적인 물레는 다락방의 황폐함만을 강조했다.

팔렉

팔레크(Palekh) 그림은 페트린 이전 시대에 등장한 민속 예술 공예품입니다. 당시 Ivanovo 지방의 Palekh 마을은 아이콘 화가로 유명했습니다. 이 예술은 18세기 말에 전성기를 맞이했습니다. 팔레산인들은 아이콘을 그리는 것 외에도 대성당과 교회 복원에 참여했으며 Trinity-Sergius Lavra와 Novodevichy 수도원의 예배당 설계에 참여했습니다.

20세기 초까지 팔레크(Palekh) 회화 무역은 번창했고, 1905년과 1917년의 혁명적 폭풍으로 인해 순수 민속 예술이 거의 파괴되었습니다. 17년 이후 무식한 공산주의 당국의 대표자들에 의해 모든 교회가 폐지되었기 때문에 그림을 그릴 것이 없었고, 폴레샨 예술가들은 나무로 예술품을 생산하는 예술품을 만들었습니다.

곧 Palek 스타일의 첫 번째 작품이 모스크바 작업장에서 만들어졌습니다. 검은 바니시로 덮인 나무 상자에서 왕실에서 자유로 등장한 Ivan Tsarevich는 Firebird를 만납니다. 전체 그림은 금색과 진사로 칠해져 그림에서 눈을 뗄 수 없었습니다.

현재 팔레크(Palekh) 나무 그림은 매우 전통적인 예술이며, 유일한 차이점은 천연 나무가 종이-마셰(papier-mâché)로 대체되었다는 것입니다. 이제 Palekh 페인팅이 적용된 제품은 아름다울 뿐만 아니라 가볍습니다.

코클로마

17세기 니즈니노브고로드 지방의 마을에서 발전한 고대 민속 공예품입니다. 그 중심은 신앙 때문에 박해를 받는 옛 신자들이 모이는 코클로마(Khohloma) 마을이 되었습니다. 정착민 중에는 절묘한 그림 기술, 서예 및 다양한 꽃 패턴 사례를 가져온 성화 화가가 많이 있었습니다.

Khokhloma와 인근 마을에 거주하는 지역 주민들은 나무를 돌리는 기술을 알고 있었지만 그림을 그리는 방법은 몰랐습니다. 그래서 현장에 설치된 나무 접시는 방문 예술가들이 그린 것으로 밝혀졌습니다. 이것이 러시아에서 가장 유명한 예술 공예품 중 하나로 변한 Khokhloma 그림 예술이 나타난 방법입니다.

나무 조각가들은 접시와 접시를 만드는 것뿐만 아니라 곧 고전적인 "형제"인 숟가락과 국자를 조각하는 법을 배웠습니다. 국자는 보통 백조 모양으로 만들어서 옆면에 12개의 국자를 걸어 놓았습니다. 소재는 린든우드로, 특성상 섬유질이 없고 모든 방향으로 쉽게 절단됩니다.

Khokhloma 그림은 검정색, 금색, 빨간색 및 녹색의 네 가지 기본 색상으로 구성됩니다. 검정색과 금색을 배경으로 사용하고, 빨간색과 녹색이 그 색조와 함께 실제 디자인을 구성합니다. Khokhloma 스타일 그림의 주제는 대부분 마가목 열매, 딸기, 다양한 꽃 및 허브 식물입니다. 때때로 작가는 새, 물고기, 작은 동물의 이미지를 사용합니다.

조각과 그림

러시아 민속 공예품(예: gorodets 또는 khokhloma)은 패턴으로 덮인 목재 제품입니다. 먼저 캐비닛 제작자가 엄선된 목재, 즉 소위 "린넨"으로 블랭크를 만든 다음 예술가가 이를 디자인으로 덮습니다. 이 경우 나무 조각과 그림은 분리될 수 없으며 서로를 보완합니다. 가장 일반적인 유형의 페인트 공백은 러시아 중첩 인형입니다. 생산에는 제품을 회전시키고 광택을 낸 후 도장하는 회전 조각 방법이 사용됩니다. 이 기념품은 전 세계적으로 알려져 있으며 수년 동안 높은 수요를 받아 왔습니다.

나무그림을 배울 수 있나요?

민속 예술과 공예는 미술에 속하며 일정한 준비가 필요하지만 인내와 인내가 있는 사람이라면 누구나 제품 채색의 기본 원리를 익힐 수 있습니다. '초보자를 위한 나무 그림'이라는 특별한 기법이 있는데, 여기에는 과정 숙지와 실제 작업이 포함됩니다. 처음에는 수업이 일반적이며 기술을 습득한 후 Gorodets와 같은 특정 예술 스타일로 이동할 수 있습니다. 어쨌든, 나무에 그림을 그리는 것은 초보자에게 매혹적인 창작 과정입니다.

착색 방법

천연목재는 세심한 전처리가 필요한 소재입니다. 도장 표면은 벗겨지거나 갈라짐이 없이 매끄러워야 합니다. 공작물은 먼저 에머리 천으로 샌딩된 다음 특수 프라이머로 코팅되어 모든 미세한 균열을 채우고 작은 불규칙성을 균일하게 만듭니다. 퍼티를 사용하면 더 큰 결함을 제거할 수 있습니다. 전처리 후에는 작업물을 완전히 건조시켜야 합니다.

목조민예품은 밝고 강렬한 색상이 특징이다. 디자인은 일반적으로 배경, 검정색 또는 밝은 빨간색과 대조됩니다. 페인팅 제품에는 은폐력이 좋은 템페라 또는 예술적인 구아슈 페인트가 사용됩니다. 가장 오래 지속되는 결과는 나무에 아크릴 페인팅을 하면 얻을 수 있습니다. 특히 디자인이 투명한 니트로 바니시로 덮여 있는 경우 더욱 그렇습니다. 이 처리 후 제품은 마모에 강해지며 색상이 변하지 않습니다.

나무 그림(완제품 사진이 페이지에 표시됨)은 먼 과거에 뿌리를 두고 있지만 현재에도 살아 있고 번성하는 일종의 미술입니다.

누구나 쉽게 Khokhloma와 Gzhel의 이름을 지정할 수 있습니다. 그러나 러시아 민화에는 더 많은 유형이 있다는 사실을 아는 사람은 거의 없습니다. 이 기사에서는 가장 유명한 장식 스타일에 대해 설명합니다.

일반 정보

예술적 그림은 페인트를 사용하여 표면을 장식하는 예술입니다. 짧은 시간 안에 그림은 개인의 일상이 되었습니다.

다양한 제품을 장식하는 데 러시아 민화 스타일이 사용되었습니다. 그들은 나무와 도자기, 금속을 모두 그렸습니다. 이 기준에 따르면 세 그룹으로 나눌 수 있습니다.

1. 베이스 - 목재. 이러한 유형의 예술에는 다음이 포함됩니다.

• 호클로마.
• Fedoskino.
• 북부 Dvina의 그림.
• 프리캄스크 그림.
• 메젠스카야.
• 팔렉.

2. 베이스 - 도자기. 이러한 유형의 예술에는 다음이 포함됩니다.

• 그젤.

3. 베이스는 트레이 제작에 사용된 금속입니다. 여기에는 다음이 포함됩니다.

보시다시피 나무에 그린 러시아 민화 그림이 가장 인기가 있습니다. 그리고 이것은 꽤 이해할 수 있습니다.

가장 유명한 유형의 러시아 민화는 아래에 설명되어 있습니다. 그중에는 Khokhloma, Gzhel, Zhostovo 및 Gorodets 그림이 있습니다.

코클로마

아마도 가장 유명한 러시아 민화는 Khokhloma일 것입니다. 오븐에서 특수 처리를 하여 뜨거운 음식을 먹어도 제품이 변질되지 않는다는 점에서 그림이 독특합니다. 따라서 목재는 도자기의 특성을 얻습니다.

이야기

이 러시아 민속 스타일은 니즈니 노브고로드 지역에 위치한 같은 이름의 마을에서 17세기로 거슬러 올라갑니다. 한 버전에 따르면, Khokhloma 공예에 대한 아이디어는 "오래된 신앙"에 대한 박해를 피해 도망친 고대 신자들이 가져 왔습니다. 이 사람들 중에는 아이콘 화가가 많았습니다. 18세기 초에 이곳은 진정한 예술적 보물이 되었습니다.

현재 Khokhloma는 Semino 마을과 Semenov 시로 "이동"했습니다. 그들은 여전히 ​​이곳에서 그림을 그리지만 공장 규모로 작업합니다.

러시아 민화의 요소

빨간색, 검은색, 금색의 세 가지 주요 색상이 있으며 노란색과 녹색이 추가 색상으로 소량 사용됩니다. 브러쉬는 다람쥐 꼬리로 만들어집니다. 얇은 선을 그릴 수 있게 해주는 소재입니다.

제품은 두 가지 방법으로 칠할 수 있습니다. 첫 번째 방법은 먼저 검은색 물감으로 배경을 완전히 칠한 뒤, 그 위에 그림을 그리는 것입니다. 두 번째 방법은 먼저 장식의 윤곽을 그린 다음 배경을 칠하는 것입니다.

Khokhloma 스타일로 이루어진 다양한 작품을 주의 깊게 살펴보면 몇 가지 주요 패턴을 확인할 수 있습니다.

• 사초. 이 패턴의 경우 브러시 끝을 위에서 아래로 가볍게 드래그해야 합니다.
• 풀잎. 요소는 부드럽고 두꺼워진 작은 브러시 스트로크처럼 보입니다.
• 비말.
• 수염.
• 파마.
• 부시. 사초, 풀잎, 물방울, 덩굴손 및 컬의 조합을 사용하여 그려졌습니다. 또한 요소는 항상 서로 대칭으로 위치했습니다.
• 딸기. 대부분 그들은 링곤베리, 건포도, 마가목 열매, 딸기 또는 구스베리를 그렸습니다.

제조기술

처음에는 나무 기반이 만들어졌습니다. 대부분 숟가락, 그릇 등 가정 용품이었습니다. 이 베이스를 "린넨"이라고 불렀습니다. 건조 후 베이스를 특별히 정제된 점토로 덮고 7~8시간 동안 건조시킵니다. 건조 과정에서 제품에 아마씨유가 여러 번 코팅됩니다.

다음 단계는 "틴닝(tinning)"이라고 합니다. 양 가죽으로 만든 특수 면봉을 사용하여 알루미늄 분말을 제품에 문지릅니다. 이 절차가 끝나면 물체가 빛을 발하고 페인팅할 준비가 됩니다.

그젤

똑같이 유명한 러시아 민화는 그젤(Gzhel)인데, 흰색 배경에 온갖 종류의 파란색 음영만 사용하여 패턴을 그리는 그림입니다.

이야기

러시아 민화 그젤(Gzhel)의 이름은 그젤 부시 지역에서 유래되었습니다. 이것은 모스크바 지역의 20개 이상의 마을로 구성된 협회입니다. 이러한 유형의 러시아 민화에 대한 첫 언급은 14세기 이반 칼리타(Ivan Kalita) 통치 기간에 있었습니다. 처음에는 Gzhel이 채색되었지만 19세기에는 네덜란드 타일과 중국 도자기가 유행했습니다. 제품은 블루와 화이트 색상으로 제작되었습니다. 곧 이것은 러시아 패턴의 필수적인 특징이 되었습니다.

주요뉴스

Gzhel 스타일로 만들어진 거의 모든 제품의 중심 캐릭터는 새, 수탉 또는 꽃입니다. 러시아 패턴의 대가들은 주제를 주변 환경에서 가져옵니다. 동시에 그림 자체와 제품의 모양은 서로 모순되지 않고 하나의 전체를 형성하여 서로를 보완합니다.

제조기술

페인팅하기 전에 도자기의 품질을 확인했습니다. 제품이 마젠타색으로 담궈졌습니다. 따라서 도자기는 분홍색으로 칠해졌고 약간의 균열이 보였습니다.

일반적으로 장인은 코발트 기반 페인트를 사용했습니다. 제품이 발사되기 전에는 검정색이었습니다. 일하려면 주인은 붓과 페인트만 필요했습니다. 그러나 다양한 기술을 사용하여 20가지가 넘는 파란색 음영이 만들어졌습니다.

금속 쟁반을 장식하는 데 사용되었습니다. 그들은 오늘날까지 모스크바 지역에 위치한 Zhostovo 마을에 존재합니다.

이야기

Zhostovo 그림의 역사는 19세기 초 Trinity volost의 여러 마을에서 시작됩니다. 파피에 마셰 기법을 사용하여 칠기를 그리는 최초의 대가들이 이곳에 나타났습니다.

친숙한 사람의 출현은 Vishnyakov 형제와 직접적인 관련이 있습니다. 가게 덕분에 트레이 생산량이 늘어났습니다. 금속으로 만들어진 최초의 것들이 나타나기 시작했습니다. 그들은 점차적으로 다른 종이 공예를 대체했습니다.

주요뉴스

조스토보 그림에서 작품의 주인공은 꽃과 꽃무늬이다. 때로는 일상 생활의 장면, 풍경, 축제 장면, 결혼식 등을 묘사합니다. 그러나 가장 일반적인 것은 쟁반 중앙에 있고 가장자리를 따라 작은 금색 패턴이 있는 꽃다발 이미지입니다. 일반적으로 꽃다발에는 다소 큰 꽃이 여러 개 포함되어 있으며 작은 꽃이 흩어져 있습니다.

기술

트레이는 가정용(사모바르 스탠드 또는 음식 제공용)과 인테리어 요소의 두 가지 목적으로 사용되었습니다. 트레이를 만드는 재료는 일반 철판입니다. 완제품의 모양은 원형, 직사각형, 타원형 등 무엇이든 가능합니다. 패턴을 적용하기 전에 제품은 몇 가지 중요한 단계를 거칩니다.

• 심.
• 퍼티.
• 연마.
• 니스칠.

덕분에 트레이 표면이 완벽하게 평평해집니다. 그림에는 유성 페인트가 사용됩니다. 작업이 끝나면 제품은 여러 층의 무색 바니시로 코팅됩니다.

그림 자체는 여러 단계로 수행되었습니다.

• 1단계. 배경. 이 단계에서는 메인 컬러가 선택됩니다. 배경으로 사용됩니다. 검정색이 선호되었지만 흰색, 빨간색, 파란색 등을 사용할 수도 있습니다.
• 2단계. 자말레녹. 이 단계에서는 미래 패턴의 기초가 만들어집니다. 희석된 페인트를 사용하여 마스터는 자신의 아이디어에 따라 미래 구성의 윤곽을 적용합니다. 그 후 트레이는 오븐에서 몇 시간 동안 건조되도록 보내집니다.
• 3단계. 테네즈카. 이 단계에서 작가는 반투명 물감을 사용하여 꽃에 그림자를 적용합니다. 따라서 그것들을 방대하게 만듭니다.
• 4단계. 개스킷. 이것이 가장 중요한 단계입니다. 이제 마스터는 많은 세부 사항을 명확히하고 그의 구성의 대조적이거나 조화로운 구조를 강조하고 구현하기 시작합니다.
• 5단계. 눈부심. 이 단계에서는 눈부심의 도움으로 꽃잎에 빛과 더 많은 볼륨이 나타납니다. 분위기와 색상을 만들기 위해서는 눈부심이 필요합니다.
• 6단계. 그리기. 이것은 꽃다발 만들기 작업의 마지막 단계입니다. 작가는 매우 얇은 붓을 사용하여 식물 잎의 미묘한 정맥, 잎의 레이스 가장자리, 꽃 중앙의 씨앗을 그립니다.
• 7단계. 바인딩. 이 단계는 Zhostovo 그림의 두 번째 단계입니다. 작가는 꽃다발 자체에서 나오는 가장 얇은 줄기, 풀잎, 덩굴손을 그립니다. 이런 방식으로 주인은 꽃다발과 배경 사이의 연결을 설정합니다.
• 8단계. 청소. 이 단계에서는 트레이의 측면이 장식됩니다. 일반적으로 기하학적 패턴이나 꽃무늬 패턴이 이러한 목적으로 사용됩니다. 청소 스타일은 주인의 희망에 따라 다릅니다. 매우 겸손하고 하나의 반복 요소로 구성되거나 풍부하고 다양하게 장식될 수 있습니다. 이 단계를 건너뛰면 제품이 미완성 상태로 보입니다.

이렇게 하면 유사한 모티프의 끝없는 변형을 찾을 수 있습니다. 그러나 정확한 사본이나 반복을 찾을 수는 없습니다.

러시아 민화 고로데츠 그림은 19세기 중반부터 존재해왔습니다. 밝고 특이하며 물레, 가구, 셔터 및 문 장식으로 사용되었습니다.

이야기

Gorodets 그림의 힌트는 조각된 물레에서 볼 수 있습니다. Gorodets에서는 바닥(스피너가 앉았던 곳)이 특별한 기술을 사용하여 장식되었다는 점에서 독특했습니다. 다른 종을 조각한 나무 조각상이 오목한 부분에 삽입되었습니다. Gorodets 장인이 놀라운 예술 작품을 만들 수 있었던 것은 두 가지 유형의 목재뿐이었습니다. 나중에 여기에 터치업 페인트가 추가되었습니다.

19세기 후반에 이러한 제품에 대한 수요가 증가함에 따라 장인들은 목공상감을 복잡한 기법으로 버리고 단순한 회화적 요소로 옮겨가게 되었습니다.

주요뉴스

니즈니 노브고로드 그림은 파블로프스크(Pavlovsk)와 고로데츠(Gorodets)의 두 가지 유형으로 나뉩니다. 상자, 아치, 썰매 등을 장식하는 데 사용되었습니다.

Gorodets 러시아 민화는 내용으로 구별됩니다. 이곳에서는 다양한 장면을 볼 수 있습니다. 대부분 국내 상황이었습니다. 동시에 대부분의 줄거리는 꽃 모티브에 전념했습니다. 새와 동물도 그림의 주인공으로 등장합니다. 양식화되고 현실적일 수 있습니다. 일반적으로 이미지는 동물이나 새가 서로를 바라 보는 대칭이었습니다.

이 그림은 밑칠에 원, 나선, 물방울, 호, 스테이플, 획 ​​및 점을 사용하는 것이 특징입니다. 이 경우 아티스트는 자신의 작업을 "소생"시키기 위해 마지막 단계에서 마지막 유형의 패턴을 적용합니다.

그림에 사용되는 색상은 많지 않습니다(빨간색, 녹색, 파란색, 검정색). 이미지는 사전 드로잉 없이 나무에 적용됩니다. 패턴은 브러시를 사용하여 직접 적용되며 아티스트는 넓고 자유로운 획과 미세한 획을 모두 사용할 수 있습니다.

기술

그림을 만들기 위해 분말 형태의 건조 안료로 만든 페인트인 템페라가 사용됩니다. 또한 천연 소재와 인공 유사품을 모두 사용하여 만들 수 있습니다. 때때로 그들은 구아슈와 PVA 접착제를 사용합니다. 하지만 건조하면 색이 하얗게 변한다는 점을 고려해야 합니다. 따라서 다음 레이어를 적용하기 전에 이전 레이어를 건조시키십시오.

그림은 나무 바닥에 즉시 완성됩니다. 원하는 경우 빨간색, 노란색 또는 검정색 페인트로 프라이밍됩니다. 미래의 구성은 간단한 연필을 사용하여 얇은 선으로 윤곽을 그릴 수 있습니다. 그러나 경험이 풍부한 아티스트는 원칙적으로 이 단계를 건너뛰고 즉시 브러시로 패턴을 적용합니다.

디자인이 완전히 건조된 후 제품을 여러 겹의 투명한 바니시로 코팅하고 각 층을 완전히 건조시킵니다. 그들은 특수 면봉으로 바르는 오일 바니시나 스프레이 건의 도움이 필요한 니트로 바니시를 사용합니다. 이렇게 하면 완제품이 균일하고 매끄러워집니다. 이 코팅은 화학적 또는 기계적 손상으로부터 제품을 보호하는 데 필요합니다.

오늘의 러시아 민화

21세기에도 회화는 그 중요성을 잃지 않습니다. 페인트칠된 제품은 단순히 인테리어의 일부가 아닙니다. 그 중 다수는 기능적 부하가 넓으며 일상 생활에서 적극적으로 사용됩니다. 예를 들어, 장식된 도마에서 음식을 자르는 것이나 그의 공예의 대가가 그린 빵통에 빵을 저장하는 것은 여전히 ​​관련이 있습니다.

페인트 칠한 제품은 소박한 방에도 자신만의 풍미를 더해 독특한 공간을 만들어줍니다. 그러나 많은 것들이 매우 밝게 보이기 때문에 아파트에 그런 물건을 너무 많이 넣어서는 안됩니다. 두세 개면 충분합니다.

또한 벽, 기둥, 테두리 및 기타 내부 요소를 장식하는 데 다양한 유형의 러시아 민화가 적극적으로 사용됩니다. 이러한 솔루션은 분위기를 더 밝고 긍정적으로 만들어주기 때문에 어린이 방이나 주방에서 멋지게 보입니다.