집 보일러 상징주의는 어떤 새로운 것을 가져왔는가? 문학의 상징주의

상징주의는 어떤 새로운 것을 가져왔는가? 문학의 상징주의

당신의 신뢰성. 세계에 대한 제한적이고 피상적인 생각은 주로 물리학과 수학 분야의 수많은 자연과학 발견을 통해 확인되었습니다. 엑스레이, 방사선의 발견, 무선 통신의 발명, 그리고 조금 후에 양자 이론과 상대성 이론의 창안은 유물론적 교리를 뒤흔들었고 역학 법칙의 무조건성에 대한 믿음을 뒤흔들었습니다. 이전에 식별된 "명확한 패턴"은 상당한 수정을 거쳤습니다. 즉, 세상은 알려지지 않았을 뿐만 아니라 알 수도 없는 것으로 밝혀졌습니다. 이전 지식의 오류와 불완전성에 대한 인식은 현실을 이해하는 새로운 방법을 모색하게 만들었습니다.

이러한 경로 중 하나인 창조적 계시의 경로는 상징주의자에 의해 제안되었으며, 그에 따르면 상징은 통일성이므로 현실에 대한 전체적인 관점을 제공합니다. 과학적 세계관은 오류의 합을 바탕으로 구축되었습니다. 창의적 지식은 초지능적 통찰력의 순수한 원천을 고수할 수 있습니다.

상징주의의 출현은 종교의 위기에 대한 반작용이기도 했다. F. Nietzsche는 "신은 죽었다"고 선언하여 국경 시대의 전통 종교 가르침이 고갈되었다는 일반적인 느낌을 표현했습니다. 상징성은 다음과 같이 드러난다. 새로운 유형신을 찾는 것: 종교적, 철학적 질문, 슈퍼맨의 질문 - 자신의 도전에 도전한 남자에 관한 것 장애. 이러한 경험을 바탕으로 한 상징주의 운동은 상상적이고 환상적이며, 신비주의, 이교도 숭배, 신지학, 신비주의, 마술에 대한 열정으로. 상징주의 미학은 상상의 초월적 세계, 이전에 탐험되지 않은 영역, 즉 잠과 죽음, 난해한 계시, 에로스와 마법의 세계, 변화된 의식 상태와 악덕 등 가장 예상치 못한 형태로 구현되었습니다.

상징주의는 또한 국경 시대의 사람을 사로잡았던 종말론적 예감과도 밀접하게 연결되어 있었다. '세계의 종말', '유럽의 쇠퇴', 문명의 종말에 대한 기대는 형이상학적 감정을 악화시키고 정신이 물질을 승리하도록 강요했습니다.

이 시대의 중요한 아이디어는 다음과 같습니다.

다윈주의(과학자 찰스 다윈의 이름을 딴 운동). 이 개념에 따르면 사람은 환경과 유전에 의해 미리 결정되며 더 이상 "하나님의 사본"이 아닙니다.

문화의 비관주의(철학자이자 작가인 프리드리히 니체(Friedrich Nietzsche)에 따르면)는 더 이상 종교적 유대가 없고 모든 종속적인 의미가 없으며 주변의 모든 가치가 재평가된다는 생각에 기반을 두고 있습니다. 대부분의 사람들은 허무주의에 관심이 있습니다.

잠재의식을 발견하는 것을 목표로 하는 정신분석학(심리학자 지그문트 프로이트에 따르면)은 꿈의 해석, 자신의 자아에 대한 연구와 인식.

세기의 전환기는 절대가치를 추구하는 시대가 되었다.

예술적 운동으로서의 상징주의

세계 문화사의 발전(19~20세기, 20세기, 20~21세기 전환기)은 '고등문학'을 주제로 한 끝없는 소설의 연쇄와 이별이라고 볼 수 있다. 자본주의 사회의. 따라서 19~20세기의 전환기는 이후의 모든 문학에 두 가지 핵심 경향, 즉 자연주의와 상징주의의 출현으로 특징지어집니다.

Emile Zola, Gustave Flaubert, Jules 형제, Edmond Goncourt와 같은 뛰어난 소설가의 이름으로 대표되는 프랑스 자연주의는 인간의 성격이 유전, 그것이 형성된 환경 및 "순간"에 절대적으로 의존하는 것으로 인식했습니다. 현재 존재하고 행동하는 특정 사회 정치적 상황. 따라서 자연주의 작가들은 19세기 말 자본주의 사회에서 일상생활을 가장 꼼꼼하게 다룬 작가들이었다. 이 문제에 있어서 그들은 프랑스의 상징주의 시인 샤를 보들레르(Charles Baudelaire), 폴 베를렌(Paul Verlaine), 아서 랭보(Arthur Rimbaud), 스테판 말라르메(Stéphane Mallarmé) 등 많은 사람들의 반대를 받았습니다. 그들은 현대 사회정치적 상황이 인간 성격에 미치는 영향을 인정하기를 단호히 거부하고 그것을 인간의 성격과 대조했습니다. '순수 예술'과 시적 소설의 세계.

SYMBOLISM(프랑스 상징주의, 그리스 상징 - 기호, 식별 표시에서 유래)은 1880~1890년에 프랑스에서 형성되어 20세기에 많은 유럽 국가의 문학, 회화, 음악, 건축 및 연극 분야에서 널리 퍼진 미학적 운동입니다. 19~20세기 상징주의는 미술사에서 '은시대'라는 정의를 얻은 같은 시기 러시아 미술에서 매우 중요했습니다.

상징주의자들은 사람이 세상의 이상적인 본질을 돌파하고 "실제에서 가장 현실로" 갈 수 있게 해주는 것이 정확한 과학이 아니라 상징이라고 믿었습니다. 초현실을 이해하는 데 특별한 역할은 직관적 계시의 전달자로서 시인과 초합리적 영감의 열매로서 시에게 할당되었습니다. 언어의 해방, 기호와 지시 사이의 일반적인 관계의 파괴, 다양하고 종종 반대되는 의미를 전달하는 상징의 다층적 성격은 의미의 분산을 가져왔고 상징주의 작업을 "다양성의 광기"로 변질시켰습니다. ”, 사물, 현상, 인상 및 비전이 포함됩니다. 매 순간 분열되는 텍스트에 온전함을 부여한 유일한 것은 시인의 독특하고 흉내낼 수 없는 비전이었습니다.

문화적 전통에서 작가를 제거하고, 언어의 의사소통 기능을 박탈하고, 모든 것을 소비하는 주관성은 필연적으로 상징주의 문학의 신비주의로 이어졌고 특별한 독자가 필요했습니다. 상징주의자들은 그의 이미지를 스스로 모델로 삼았으며, 이는 그들의 가장 독창적인 업적 중 하나가 되었습니다. 그것은 소설 "반대로"에서 J.-C. Huysmans에 의해 만들어졌습니다. 가상 독자는 시인과 같은 상황에 있으며, 그는 세계와 자연으로부터 숨어 공간적(먼 곳)에서 미학적 고독 속에 살고 있습니다. 재산) 및 임시(과거의 예술적 경험 포기); 마법의 창조를 통해 그는 저자와 영적 협력, 지적 결합을 맺으므로 상징적 창의성의 과정은 작가-마술사의 작업에만 국한되지 않고 이상적인 독자가 그의 텍스트를 계속 해독합니다. . 시인과 마음이 맞는 그러한 감정가는 거의 없으며 전체 우주에는 10 명 이하입니다. 그러나 그러한 제한된 수는 상징주의자들을 혼동하지 않습니다. 왜냐하면 이것은 가장 많이 선택된 수이고 그들 중에는 비슷한 수를 가진 사람이 단 한 명도 없기 때문입니다.

상징의 개념과 상징주의의 의미

상징주의에 대해 말하면서 그 중심 개념인 상징을 언급하지 않을 수 없습니다. 왜냐하면 예술에서 이 운동의 이름이 유래되기 때문입니다. 또한 상징주의는 복잡한 현상이라고 말해야 한다. 그 복잡성과 불일치는 무엇보다도 서로 다른 시인과 작가가 상징 개념에 서로 다른 내용을 넣었다는 사실에 기인합니다.

상징이라는 이름 자체는 식별 표시인 표시로 번역되는 그리스어 기호론(symbolon)에서 유래되었습니다. 예술에서 상징은 예술적 이미지의 관련 범주, 기호와 알레고리와의 비교를 통해 드러나는 보편적인 미학적 범주로 해석된다. 넓은 의미에서 상징은 의미 측면에서 취한 이미지이고, 기호이며, 이미지의 모든 유기성과 무한한 모호성을 부여받은 기호라고 할 수 있다.

모든 기호는 이미지입니다. 그러나 상징의 범주는 이미지가 그 자체의 한계를 넘어서는 것, 즉 이미지와 불가분하게 융합된 어떤 의미의 존재를 가리킨다. 객관적인 이미지와 심오한 의미는 상징의 구조에서 생각할 수 없는 두 개의 극으로 나타나며, 하나는 다른 하나 없이는 서로 분리되어 있기 때문에 그 둘 사이의 긴장 속에서 상징이 드러난다. 상징주의의 창시자조차도 상징을 다르게 해석했다고 말해야합니다.

J. 모레아스는 『상징주의 선언문』에서 전통적인 예술적 이미지를 대체하고 상징주의 시의 주요 소재가 된 상징의 본질을 정의했다. "상징주의 시는 자급자족할 수 없지만 동시에 아이디어의 표현을 제공하면서 개성을 유지하는 감각적 형태로 아이디어를 입히는 방법을 추구합니다."라고 Moreas는 썼습니다. 이념이 입혀지는 그러한 '감각적인 형태'는 상징이다.

상징과 예술적 이미지의 근본적인 차이점은 그 모호함입니다. 상징은 이성의 노력으로는 해독될 수 없습니다. 마지막 깊이에서는 어둡고 최종 해석에 접근할 수 없습니다. 상징은 무한대로 향하는 창이다. 움직임과 의미론적 색조의 유희는 신비, 즉 상징의 신비를 창조합니다. 이미지가 단일 현상을 표현한다면 상징은 일련의 의미 전체를 은폐합니다. 때로는 반대이거나 다방향인 경우도 있습니다. 상징의 양면적 성격은 존재의 두 평면이 상호 침투하는 두 세계에 대한 낭만적인 생각으로 거슬러 올라갑니다.

상징의 다층적 성격, 개방형 다의미는 본질적으로 이해할 수 없는 초현실에 대한 신화적, 종교적, 철학적, 미적 아이디어를 기반으로 했습니다.

상징주의의 이론과 실천은 I. Kant, A. Schopenhauer, F. Schelling의 이상주의 철학과 F. Nietzsche의 슈퍼맨에 대한 생각, 즉 "선과 악을 넘어서"와 밀접하게 연관되어 있습니다. 핵심적으로 상징주의는 세계의 플라톤 및 기독교 개념과 합쳐져 낭만적인 전통과 새로운 경향을 채택했습니다.

예술의 특정 방향의 연속으로 인식되지 않고 상징주의는 그 자체로 낭만주의의 유전적 코드를 담고 있습니다. 상징주의의 뿌리는 더 높은 원칙, 즉 이상적인 세계에 대한 낭만적인 헌신에 있습니다. J. Moreas는 "자연의 그림, 인간 행동, 우리 삶의 모든 현상은 그 자체가 아니라 기본 아이디어의 무형적 반영으로서 상징 예술에 중요하며 그와의 은밀한 친화력을 나타냅니다."라고 썼습니다. 따라서 이전에 과학과 철학에 할당되었던 예술의 새로운 임무는 세계의 상징적 그림을 만들어 "가장 현실"의 본질에 더 가까워지고 "비밀의 열쇠"를 만드는 것입니다.

어울리는 상징주의

1 서유럽의 상징주의

예술 운동으로서 상징주의는 1886년 S. Mallarmé를 중심으로 모인 젊은 시인 그룹이 예술적 열망의 통일성을 실현했을 때 프랑스에서 공개적으로 선언되었습니다. 그룹에는 J. Moreas, R. Gil, Henri de Regno, S. Merrill 등이 포함되었으며 1990 년대에는 P. Valery, A. Gide, P. Claudel이 Mallarme 그룹의 시인과 합류했습니다. 신문 “Paris Modern”과 “La Nouvelle Rive Gauche”에 상징주의 시와 에세이 시리즈 “저주받은 시인”을 발표한 P. Verlaine은 상징주의를 문학 운동으로 발전시키는 데 많은 기여를 했으며, J.C. 소설 《반대로》를 출간한 휘스만스. 1886년에 J. Moreas는 Le Figaro에서 상징주의 선언문을 출판했는데, 여기서 그는 C. Baudelaire, S. Mallarmé, P. Verlaine, C. Henri의 판단에 기초하여 운동의 기본 원칙을 공식화했습니다. J. 모레아스(J. Moreas) 선언문이 출판된 지 2년 후, A. 베르그송(A. Bergson)은 직관주의 철학을 명시한 첫 번째 저서 "의식의 즉각적인 데이터에 관하여(On the Immediate Data of Consciousness)"를 출판했습니다. 이것은 추가 정당화입니다.

2 프랑스의 상징주의

상징주의 운동이 일어나고 번성했던 프랑스의 상징주의 형성은 프랑스 최대 시인 C. Baudelaire, S. Mallarmé, P. Verlaine, A. Rimbaud의 이름과 관련이 있습니다. 프랑스 상징주의의 선구자는 1857년 『악의 꽃』이라는 책을 출간한 샤를 보들레르이다. "말할 수 없는" 방법을 찾기 위해 많은 상징주의자들은 색상, 냄새 및 소리 사이의 "대응"에 대한 보들레르의 아이디어를 채택했습니다. 상징주의자에 따르면 다양한 경험의 근접성은 상징으로 표현되어야 합니다. 상징주의 탐구의 모토는 "소리, 냄새, 모양, 색상 반향"이라는 유명한 문구가 포함된 보들레르의 소네트 "서신"이었습니다. 대응점을 찾는 것은 예술의 통일이라는 상징주의적 종합 원리의 기초입니다.

“최후의 낭만주의자이자 최초의 퇴폐주의자”인 S. Mallarmé는 사물이 아니라 사물에 대한 인상을 전달하기 위해 “이미지를 제안”해야 한다고 주장했습니다. “물체에 이름을 붙이는 것은 즐거움의 4분의 3을 파괴하는 것을 의미합니다. 점진적인 추측을 위해 만들어진 시, 그것을 제안하는 것, 그것이 바로 꿈입니다.”

P. Verlaine은 그의 유명한 시 "시적 예술"에서 음악성에 대한 헌신을 진정한 시적 창의성의 주요 표시로 정의했습니다. "음악성이 우선입니다." Verlaine의 관점에서 시는 음악과 마찬가지로 매체주의적이고 비언어적인 현실 재현을 위해 노력합니다. 음악가처럼 상징주의 시인은 저 너머의 자연스러운 흐름, 소리의 에너지를 향해 달려갑니다. 샤를 보들레르(Charles Baudelaire)의 시가 비극적으로 분열된 세계에서 조화를 향한 깊은 갈망으로 상징주의자에게 영감을 주었다면, 베를렌(Verlaine)의 시는 그 음악성과 이해하기 어려운 감정에 놀랐습니다. Verlaine에 이어 음악이라는 아이디어는 많은 상징주의자들이 창의적인 신비를 상징하는 데 사용했습니다.

자유시(자유시)를 처음으로 활용한 뛰어난 청년 A. 랭보의 시는 '웅변'을 버리고 시와 산문의 교차점을 찾으려는 상징주의자들이 채택한 사상을 구체화한 것이다. 가장 비시적인 삶의 영역까지 침입하여 Rimbaud는 현실 묘사에서 "자연적 초자연주의"의 효과를 달성했습니다.

프랑스의 상징주의는 회화(G. Moreau, O. Rodin, O. Redon, M. Denis, Puvis de Chavannes, L. Levy-Durmer), 음악(Debussy, Ravel), 연극(Theater Poet, Theatre Mixt)에서도 나타났습니다. , Petit Theatre du Marionette), 그러나 상징주의적 사고의 주요 요소는 항상 서정주의로 남아 있었습니다. 음악을 통한 창조적 비밀의 숙달, 다양한 감각의 깊은 대응, 창조적 행위의 궁극적인 가치, 현실을 이해하는 새로운 직관적이고 창의적인 방식을 향한 방향 등 새로운 운동의 주요 원칙을 공식화하고 구현한 것은 프랑스 시인이었습니다. , 그리고 이해하기 어려운 경험의 전달. 프랑스 상징주의의 선구자 중에는 Dante와 F. Villon부터 E. Poe와 T. Gautier에 이르기까지 가장 위대한 작사가들이 있었습니다.

3 서유럽의 상징주의

벨기에 상징주의는 연극 "파랑새", "맹인", "성 안토니오의 기적", "거기 내부"로 유명한 최고의 극작가, 시인, 수필가 M. Maeterlinck의 모습으로 표현됩니다. N. Berdyaev에 따르면 Maeterlinck는 "모든 불순물로부터 정화된 삶의 영원한 비극적 시작"을 묘사했습니다. 대부분의 동시대 시청자들은 Maeterlinck의 연극을 풀어야 할 퍼즐로 인식했습니다. M. Maeterlinck는 "Treasure of the Humble"(1896) 논문에 수집된 기사에서 그의 창의성의 원리를 정의했습니다. 이 논문은 인생은 사람이 자신의 마음으로는 접근할 수 없지만 내면의 감정으로는 이해할 수 있는 역할을 하는 신비라는 생각에 기반을 두고 있습니다. Maeterlinck는 행동이 아니라 상태를 전달하는 것이 극작가의 주요 임무라고 생각했습니다. Maeterlinck는 "The Treasure of the Humble"에서 "2차" 대화의 원칙을 제시했습니다. 겉보기에 무작위로 보이는 대화 뒤에는 처음에는 중요하지 않은 단어의 의미가 나타납니다. 이러한 숨은 의미의 움직임은 수많은 역설(일상의 기적, 맹인의 시력과 시력의 맹목, 정상의 광기 등)을연출하고, 광기의 세계로 뛰어드는 것을 가능하게 했다. 미묘한 기분.

유럽 상징주의의 가장 영향력 있는 인물 중 하나는 노르웨이의 작가이자 극작가인 G. Ibsen이었습니다. 그의 희곡 Peer Gynt, Hedda Gabler, A Doll's House, The Wild Duck은 구체적인 것과 추상적인 것을 결합했습니다. “상징주의는 구체화된 현실을 보고 그 위로 올라가려는 우리의 욕구를 동시에 충족시키는 예술의 한 형태입니다.”라고 입센은 정의했습니다. - 현실에는 반대면이 있고 사실에는 숨겨진 의미가 있습니다. 이는 아이디어의 물질적 구현이며 아이디어는 사실을 통해 표현됩니다. 현실은 감각적 이미지이자 보이지 않는 세계의 상징이다.” Ibsen은 그의 예술과 프랑스 버전의 상징주의를 구별했습니다. 그의 드라마는 초월적이고 초월적인 것을 추구하는 것이 아니라 "물질의 이상화, 현실의 변형"을 기반으로 구축되었습니다. 입센은 특정한 이미지나 사실에 상징적인 소리를 부여하여 그것을 신비로운 표시의 수준으로 끌어올렸습니다.

영문학에서 상징주의는 O. Wilde의 모습으로 표현됩니다. 터무니없는 것에 대한 부르주아 대중의 갈망, 역설과 격언에 대한 사랑, 예술의 삶을 창조하는 개념 ( "예술은 삶을 반영하는 것이 아니라 창조합니다"), 쾌락주의, 환상적이고 동화 같은 음모의 빈번한 사용 및 나중에 " 신기독교”(그리스도를 예술가로 인식하는 것)는 O. Wilde를 상징주의적 성향의 작가로 분류합니다.

상징주의는 아일랜드에 강력한 지류를 제공했습니다. 20세기 가장 위대한 시인 중 한 명인 아일랜드인 W.B. 예이츠는 자신을 상징주의자라고 생각했습니다. 보기 드문 복잡성과 풍부함으로 가득 찬 그의 시는 아일랜드의 전설과 신화, 신지학과 신비주의로부터 자양분을 얻었습니다. 예이츠가 설명했듯이 상징은 "어떤 보이지 않는 본질, 즉 영적 램프의 반투명 유리를 유일하게 표현하는 것"입니다.

R.M. Rilke, S. George, E. Verhaerne, G.D.의 작품도 상징주의와 관련이 있습니다. Annunzio, A.Strinberg 등.

러시아의 상징주의

1905~07년 혁명이 패배한 후. 러시아에서는 퇴폐적 정서가 특히 널리 퍼졌습니다.

Decadence(프랑스의 데카당스, 후기 라틴어 데카덴시아에서 유래 - 쇠퇴)는 절망감, 삶에 대한 거부, 개인주의로 특징지어지는 19세기 후반~20세기 초반 부르주아 문화의 위기 현상에 대한 일반적인 이름입니다. 퇴폐적 사고방식의 여러 특징은 모더니즘이라는 용어로 통합된 예술의 일부 영역에서도 구별됩니다.

복잡하고 모순적인 현상인 데카당스는 부르주아 의식의 위기, 사회 현실의 날카로운 적대감, 역사의 파괴적인 힘만을 보았던 혁명 이전의 많은 예술가들의 혼란에 그 근원을 두고 있습니다. 퇴폐주의자의 관점에서 볼 때, 사회 진보에 대한 모든 개념, 사회 계급 투쟁의 모든 형태는 투박하게 실용적인 목표를 추구하므로 거부되어야 합니다. “인류의 가장 위대한 역사적 운동은 본질적으로 매우 ‘속물적’인 것처럼 보입니다.” 퇴폐주의자들은 예술이 정치적, 시민적 주제와 동기를 거부하는 것을 창의적 자유의 표현으로 간주했습니다. 개인의 자유에 대한 퇴폐적인 이해는 개인주의의 미학화와 분리될 수 없으며, 최고의 가치로서의 아름다움에 대한 숭배는 종종 부도덕주의로 물들어 있습니다. 데카당스의 상수는 존재하지 않음과 죽음의 동기입니다.

시대의 특징적인 정신으로서 데카당스는 예술의 특정 하나 이상의 움직임에 전적으로 기인할 수 없습니다. 퇴폐적 분위기에 사로잡힌 주요 예술가들 사이에서 예술적으로 표현된 형태를 취한 현실 거부, 절망과 부정의 동기, 정신적 이상에 대한 갈망은 부르주아 휴머니즘의 가치에 대한 믿음을 유지한 현실주의 작가들로부터 동정과 지지를 불러일으켰습니다(T. Mann, R. 마틴 뒤 가르, W. 포크너).

러시아에서는 퇴폐주의가 상징주의 시인(주로 1890년대 소위 "고위" 상징주의자: N. Minsky, 퇴폐주의자 Merezhkovsky, Z. Gippius, V. Bryusov, K. Balmont)의 작품에 반영되었습니다. L. N. Andreev, F. Sologub의 작품, 특히 M. P. Artsybashev, A. P. Kamensky 등의 자연주의 산문에서 작품 수.

러시아 상징주의의 전성기는 900년에 이르렀고 그 후 운동은 쇠퇴하기 시작했습니다. 중요한 작품은 더 이상 학교 내에 나타나지 않았고 새로운 방향이 나타났습니다. 절정주의와 미래주의, 상징주의 세계관은 " 달력이 아닌 진짜 20세기.” Anna Akhmatova는 1910년대 초의 상황을 다음과 같이 설명했습니다. “1910년에 상징주의의 위기가 명백히 나타났고 야심찬 시인들은 더 이상 이 운동에 참여하지 않았습니다. 일부는 미래주의로 가고 다른 일부는 절정주의로 나아갔습니다.<…>의심할 바 없이 상징주의는 19세기의 현상이었습니다. 상징주의에 대한 우리의 반항은 완전히 정당합니다. 왜냐하면 우리는 20세기 사람처럼 느껴지고 이전 시대에 살고 싶지 않기 때문입니다.”

소련 문학 교과서에는 바람직한 단일 문제를 다룬 작가들만 포함되어 있었습니다. 신정계급 - 프롤레타리아트. 다른 모든 계급은 새로운 사회, 즉 계급이 없고 대체로 경제적이지 않은 공산주의를 건설하는 데 있어 그들의 타락(귀족), 수동성(지성) 및 노골적인 적대감(부르주아지)을 폭로한다는 관점에서만 "고급 예술"에 허용되었습니다. 당연히 이러한 접근 방식을 통해 많은 작가들이 공개적으로 자신을 잘못 표현했으며, 경제 및 계급 문제와 전혀 관련이 없는 "순수 예술"의 옹호자인 다른 작가들은 단순히 소련 문학사에서 쫓겨나거나 "이상주의 철학의 퇴폐적인 추종자"로 선언되었습니다.

그럼에도 불구하고 예술적 사고의 다양성, 인식 방식으로서의 예술에 대한 인식, 종교 및 철학적 문제의 선명화, 신낭만주의 및 신고전주의 경향, 세계관의 강도, 신신화주의, 예술 종합의 꿈, 러시아와 서유럽 문화의 유산에 대한 재검토, 창조적 행위와 삶의 창의성의 최대 가치 설정, 무의식의 영역으로의 심화 등.

러시아 상징주의 문학과 회화, 음악 사이에는 수많은 연관성이 있습니다. 상징주의자들의 시적 꿈은 K. Somov의 "용감한" 그림, M. Vrubel의 "만들기의 전설"인 A. Benois의 회고적 꿈, V. Borisov의 "말 없는 동기"에서 일치성을 찾습니다. -Musatov, Z. Serebryakova 그림의 절묘한 아름다움과 고전적 분리, A. Scriabin의 "시".

예술적 상징주의 운동의 선두 자리는 당연히 당시의 모든 모순과 깊이있는 뛰어난 통찰력, 비극적 예언을 흡수한 M.A. Vrubel의 것입니다. 그의 영적 비전에서 그는 종종 문학적, 철학적 사고의 발견보다 앞서 있었으며 형식적인 혁신을 통해 현대성의 조형적 특징의 토대를 마련했습니다. 그의 그래픽 유산과 그의 모든 작품에서 종합 작업은 모든 미술의 문체 적 통일성을 창출하려는 열망, 새로운 예술적 공간의 건설 및 이데올로기적인 "범 감각"에서 똑같이 나타납니다.

19세기 후반부터 20세기 초반까지 밀집된 예술 공간에서의 상징주의는 러시아 문화의 다른 중요한 예술적 과정의 발전과 병행하여 발전했습니다. 그 국가적 특징은 유럽과 국내의 철학적, 미학적 사고가 촘촘하게 혼합 된 아이디어의 공통점이 상징주의 (서유럽에 비해 뒤늦게)와 러시아 아방가르드의 경향을 동등하게 키우는 복잡한 관계 구조였습니다. 상징주의의 창조적 방법의 핵심인 종합주의, 직관, 통찰의 범주가 아방가르드 예술의 기본 범주 중 하나가 된 것은 아무것도 아닙니다.

이러한 상황에서 러시아 문학 상징주의의 미적 프로그램을 채택하고 큰 이질성으로 구별되는 예술적 상징주의는 (아방가르드의 모든 주요 거장들이 작업 초기 단계에서 그 영향을 경험했다는 점에 유의하십시오) 형태의 문제.

세기의 전환기에 러시아 예술국경을 넘어 세계적인 현상이 되었습니다. 그것은 국내 근대성의 형성을 위해 세계의 모든 부와 자신의 문화적 전통을 사용했습니다. 러시아 아르누보의 예술적 언어는 범유럽 버전(“플로레알”)과 “네오스타일” 꽃다발 모두에서 나타났습니다. 러시아 문화 발전의 충동적이고 가변적인 성격은 실버 에이지의 스타일, 학교 및 트렌드의 혼합에서 분명하게 나타났습니다. 강력한 아방가르드 운동이 현장에 등장함에 따라 언급된 회화 영역 중 어느 것도 사라지지 않았습니다. 리더만 바뀌었습니다.

모더니티는 예술, 주로 음악, 회화, 연극의 종합을 바탕으로 강력한 문화 연결 운동으로 작용했습니다. 그것은 그 시대의 진정한 "위대한 스타일"이 될 수 있는 모든 기회를 가졌습니다. 은시대의 종합주의는 일종의 새로운 문화 발전을 촉진하는 역할을 했습니다.

결론

예술적 운동으로서의 상징주의는 60년대와 70년대 유럽에서 나타났습니다. 음악부터 철학, 건축까지 창의성의 모든 영역을 빠르게 다루며 보편적인 언어 XIX 후반-XX 세기 초의 문화. 새로운 예술적 물결이 유럽 전역에 퍼져 미국과 러시아를 모두 사로잡았습니다. 상징주의 운동의 출현과 함께 러시아 문학은 즉시 범유럽 문화 과정의 주류에 자리 잡았습니다. 러시아의 시적 상징주의, 독일의 Jugendstil, 프랑스의 아르누보 운동, 유럽 및 러시아 아르누보-이 모든 것이 동일한 순서의 현상입니다. 새로운 문화 언어를 향한 운동은 범유럽적이었고 러시아가 그 선두에 있었습니다.

상징주의는 20세기 문화에서 모더니스트 운동의 토대를 마련했으며 문학과 예술성에 새로운 특성을 부여하는 새로운 활력이 되었습니다. 20세기 가장 위대한 작가들의 작품에서 러시아와 외국 모두(A. Akhmatova, M. Tsvetaeva, A. Platonov, B. Pasternak, V. Nabokov, F. Kafka, D. Joyce, E. Pound, M . 프루스트(Proust), W. 포크너(W. Faulkner 등) - 상징주의에서 물려받은 모더니스트 전통의 가장 강력한 영향.

상징주의는 새로운 세계관으로 밝혀졌습니다. 과거 가치가 특정 붕괴되는 시대는 형식적, 논리적, 합리적 접근 방식으로는 만족할 수 없다는 것이 밝혀졌습니다. 그녀에게는 새로운 방법이 필요했습니다. 따라서 이 방법은 새로운 단위, 즉 상징을 탄생시켰습니다. 따라서 상징주의는 상징을 현대성의 툴킷에 도입했을 뿐만 아니라 단지 이성적인 경로가 아니라 상징을 따르는 가능한 경로, 즉 직관적 경로에 주목하게 했습니다. 그러나 정복된 각각의 직관적 지식은 일반적으로 결과적으로 합리화됩니다. 왜냐하면 그들이 그것에 대해 이야기하고 요구하기 때문입니다. 새로운 상징주의가 가져오는 것은 다음과 연결될 때 볼 수 있습니다. 현대 문제과거 문화의 모든 다양성.

이것은 가장 깊은 모순을 밝히려는 시도와 같습니다. 현대 문화다양한 문화의 유색 광선; “이제 우리는 인도, 페르시아, 이집트, 그리스, 중세 등 과거 전체를 경험하고있는 것 같습니다. 우리에게 더 가까운 시대가 우리를 지나가고 있습니다. 그들은 인생의 중요한 시간 동안 그의 평생이 사람의 영적인 시선 앞에서 날아간다고 말합니다. 이제 인류의 전 생애가 우리 앞에 날아갑니다. 이것으로부터 우리는 그의 생애의 중요한 시간이 온 인류에게 닥쳤다는 결론을 내립니다. 우리는 실제로 새로운 것을 경험합니다. 그러나 우리는 그것을 옛날에는 인식합니다. 낡은 것의 압도적인 풍부함 속에서 - 소위 상징주의의 참신함"

이 역설적인 진술, 즉 그 시대의 가장 "현대적인" 운동은 과거에 대한 명확한 언급에서 그 참신함을 봅니다. 그러나 이는 모든 시대와 모든 민족의 상징이 "데이터 뱅크"에 실제로 포함된 것을 반영합니다. 이 현상에 대한 또 다른 설명은 상징주의가 어떤 의미에서 메타 수준에 도달하여 텍스트뿐만 아니라 그 이론도 생성하고 이러한 종류의 "자기 설명"이 강한 정도로 결정화된다는 것입니다. 현실뿐만 아니라 다른 어떤 것도 마찬가지입니다.

따라서 19~20세기에 들어서면서 이념적 기반의 변화가 일어났다. 예술적 언어 분야의 창의적인 검색과 연결됩니다. 변화의 가장 온전한 결과는 상징주의의 미학 체계의 형성으로 표현되었으며, 이는 문화의 모든 영역을 쇄신하는 원동력이 되었습니다. 상징주의 시의 정점은 A.A. Blok 및 A. Bely는 회고주의, 다양한 창의성 영역의 종합, 문화 제품의 창작자와 소비자의 공동 저작 지향을 기반으로 새로운 예술의 예술적 언어가 개발되었을 때입니다.

상징주의는 20세기 초 러시아 문화 전체의 미적 구조를 뒷받침하는 조형적 역할을 했습니다. 실제로 다른 모든 미학 학교는 상징주의 원칙을 계속 발전시켰거나 그것과 경쟁했습니다.

서지

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상징주의(그리스어 sýmbolon - 기호, 상징에서 유래)는 19세기 후반부터 20세기 초반까지 유럽 문학과 예술에 나타난 운동입니다. 상징주의 미학의 기초는 60년대 후반과 70년대에 형성되었다. 프랑스 시인 P. Verlaine, A. Rimbaud, S. Mallarmeau 등의 작품에서. 현실을 예술적으로 반영하는 방법으로서 친숙한 현실 이미지의 상징주의는 외부에서 직접적으로 표현되지는 않지만 이러한 현실의 상태에 매우 중요한 현상, 추세 또는 패턴의 존재를 드러냅니다. 상징주의 예술가는 객관적인 환경, 자연, 일상 생활, 인간 관계의 특정 현상을 이미지 기호로 변환하려고 노력하며, 이미지를 채우고 빛나는 것처럼 보이는 이러한 숨겨진 현상과의 광범위하게 발전된 연관 관계를 포함합니다. 다양한 존재 평면의 예술적 조합이 있습니다. 일반, 추상은 콘크리트로 매개되고 이미지 기호를 통해 감정적 인식이 가능한 영역으로 도입되어 중요한 현실의 세계에서 그 존재와 의미를 드러냅니다.

상징주의의 발전은 시대와 시대, 대중의 정서에 영향을 받는다. 서유럽 국가에서 그는 사회적 모순의 악화, 인문학적 이상과 부르주아 현실 사이의 격차에 대한 예술가의 비극적 경험을 반영했습니다.

벨기에의 가장 위대한 극작가이자 상징주의 연극 이론가인 모리스 마테를링크(Maurice Maeterlinck, 1862-1949)의 작품에서 인간은 보이지 않는 숨겨진 악에 둘러싸여 있는 세상에 존재합니다. Maeterlinck의 영웅은 약하고 연약한 생물로, 자신을 보호할 수도 없고 자신에게 적대적인 삶의 법칙을 바꿀 수도 없습니다. 그러나 그들은 인간성, 영적 아름다움, 이상에 대한 믿음의 원칙을 스스로 유지합니다. 이것이 Maeterlinck의 희곡(“Tentagille의 죽음”, “Peléas and Melisande” 등)의 드라마와 높은 시적 장점의 원천입니다. 그는 약해진 외적 행위, 숨겨진 불안과 절제된 표현으로 가득 찬 간헐적 대화를 통해 고전적인 형태의 상징주의 드라마를 창조했다. 배우의 설정, 몸짓, 억양의 모든 세부 사항은 그 자체의 비유적 기능을 수행하고 공개에 참여했습니다. 주요 주제- 삶과 죽음의 투쟁. 그 사람 자신이 이 투쟁의 상징이 되었습니다. 세계그의 내면의 비극을 표현한 것이었습니다.

노르웨이 극작가 G. 입센(G. Ibsen)은 후기 희곡에서 상징주의적 이미지 기법을 사용합니다. 그는 현실적인 세계관을 깨뜨리지 않으면서 영웅들의 개인주의적 의식의 갈등과 그들이 경험한 재앙의 객관적인 패턴을 드러내는 데 이를 활용했다(“The Builder Solnes”, “Rosmersholm”, “When We, the Dead, Awaken”). , 등.). 상징주의는 G. Hauptmann(독일), A. Strindberg(스웨덴), W. B. Yeats(아일랜드), S. Wyspianski, S. Przybyszewski(폴란드), G. D "Annunzio(이탈리아)의 작품에 영향을 미쳤습니다.

상징주의 감독인 P. Faure, O. Lunier-Poe, 프랑스의 J. Roucheu, 스위스의 A. Appiah, 영국의 G. Craig, G. Fuchs, 그리고 부분적으로 독일의 M. Reinhardt는 그들의 퍼포먼스에서 구체성을 극복하고자 노력했다. 그 당시 극장을 지배했던 현실에 대한 일상적이고 자연주의적인 묘사. 처음으로 공연 예술의 실천에는 전통적인 풍경, 일반화되고 비 유적으로 집중된 환경 이미지의 기술, 행동 장면이 포함되었습니다. 무대 미술은 연극의 특정 부분의 분위기와 일치하기 시작하여 청중의 잠재 의식적 인식을 활성화했습니다. 문제를 해결하기 위해 감독들은 그림, 건축, 음악, 색상 및 조명 수단을 결합했습니다. 일상적인 미장센은 플라스틱으로 조직된 정적인 미장센으로 대체되었습니다. 리듬은 숨겨진 "영혼의 삶", 액션의 "배경"의 긴장감을 반영하여 공연에서 큰 중요성을 얻었습니다.

러시아에서는 상징주의가 서유럽보다 늦게 나타났으며 1905-1907년 혁명으로 인한 사회적 고조와 관련이 있었습니다. 러시아 상징주의자들은 연극을 중요한 현대 사상과 정서를 공통적으로 경험하면서 무대와 관객을 통합하는 효과적인 수단으로 여겼습니다. 자유와 불멸을 향한 인간의 충동, 죽은 교리와 전통, 영적 기계 문명에 대한 항의는 V. Ya. Bryusov의 드라마 "Earth"와 V. I. Ivanov의 "Tantalus"에서 비극적으로 해석되었습니다. 혁명의 숨결은 시인과 사람, 문화 및 요소의 주제가 떠오르는 A.A. Blok "광장의 왕"의 드라마를 가득 채웁니다. "Balaganchik"과 "Stranger"는 민속 광장 연극의 전통과 사회 풍자로 전환하여 다가오는 삶의 쇄신에 대한 예감을 표현했습니다. "운명의 노래"는 지식인 시인의 어려운 길을 사람들에게 반영했습니다. 연극 "Rose and Cross"에서 Blok은 임박한 역사적 변화에 대한 느낌을 표현했습니다.

러시아의 어려운시기에 예술은 동질적이지 않았습니다. 높은 영성, 아름다움과 진실을 위한 자리가 없는 삶에 대한 철학적 거부는 F. K. Sologub의 드라마를 구별했습니다. 불길한 가면 놀이의 주제는 A. M. Remizov의 민속 자료를 바탕으로 개발되었습니다. L. N. Andreev의 일부 희곡에서 상징주의적 영향이 느껴졌으며 미래파, 특히 초기 V. V. Mayakovsky(비극 "Vladimir Mayakovsky")의 작품에도 영향을 미쳤습니다. 상징주의자들은 현대 무대를 시에 더 가깝게 만들고 공연의 연관 내용을 확장하는 새로운 연극적 이미지에 대한 탐색을 자극했습니다. V. E. 메이어홀드는 디자인과 미장센의 관습성과 연기의 진정성을 어떻게 조화시킬 것인지, 일상의 특수성을 어떻게 극복할 것인지, 배우의 창의성을 높은 시적 일반화 수준으로 끌어올리는 방법에 대해 처음으로 고민한 사람 중 한 명입니다. 그의 열망에서 그는 혼자 남아 있지 않습니다. 상징주의에서 극장 전체에 필요한 것이 발견됩니다.

1904년 A. Ya. Chekhov의 조언에 따라 K. S. Stanislavsky는 모스크바 예술 극장에서 Maeterlinck의 3부작(“The Blind”, “Uninvited”, “Inside”)을 상연하여 작가의 비관주의를 극복하고 다음과 같은 생각을 표현하려고 노력했습니다. 자연은 영원하다." 1905년에 그는 Povarskaya에 스튜디오 극장을 열었고 그곳에서 Meyerhold와 함께 새로운 예술적 방향의 제작 가능성을 연구했습니다. K. Hamsun의 연극 "The Drama of Life"와 Andreev의 "The Life of Man"에 대한 그의 작업에서 상징주의 기술을 사용하여 Stanislavsky는 "의 삶"을 깊이 드러 낼 수있는 새로운 배우를 교육해야 할 필요성을 확신하게되었습니다. 인간 정신'을 바탕으로 '시스템'을 만드는 실험을 시작했습니다. 1908년에 그는 Maeterlinck의 철학적 희곡 동화 "파랑새"를 상연했습니다. 모스크바 예술 극장의 레퍼토리에 여전히 보존되어 있는 이 공연에서 그는 이상을 향한 인간의 영원한 노력이 삶의 주요 법칙, 즉 '세계 영혼'의 숨겨진 신비한 요구의 구체화임을 보여주었습니다. 확신에 찬 현실주의자인 Stanislavsky는 사실주의 예술을 심화하고 풍부하게 하기 위해서만 상징주의로 전환했다고 반복하는 데 지치지 않았습니다.

1906~1908년 상트페테르부르크의 V.F. Komissarzhevskaya 드라마 극장에서 Meyerhold는 Blok의 "Showroom"과 Maeterlinck의 "Sister Beatrice"를 제작했습니다. 그는 정사각형 극장과 부스에서 연극성을 배웠고 양식화로 전환했으며 공연에 대한 시각적 공간적 솔루션을 위한 새로운 기술을 모색했습니다. 이러한 탐구의 본질은 상징주의 사상의 구체화가 아니라 그에게 점차 분명해졌습니다. 추가 개발현대 연극의 예술적 수단, 새로운 형태의 연기 탐색, 무대와 대중 간의 관계. 열띤 논쟁과 갈등을 불러일으킨 뒤 알렉산드린스키 극장과 보로딘스카야의 스튜디오 극장에서 이어진 메이어홀드의 무대 실험은 큰 중요성연출의 발전에.

연극적 상징주의의 경험은 20세기 연극의 지배자였습니다. 가장 다양한 방향으로.

19~20세기는 러시아 역사에서 특별한 시기로, 삶이 재편되고 도덕적 가치 체계가 변한 시기입니다. 이 시대의 키워드는 위기이다. 이 기간은 다음에 유익한 영향을 미쳤습니다. 문학의 급속한 발전러시아 문학의 "황금 시대"와 유사하게 "은 시대"라고 불렸습니다. 이 글에서는 세기 전환기에 러시아 문화에 나타난 러시아 상징주의의 특징을 살펴볼 것이다.

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용어 정의

상징주의는 문학의 방향, 19세기 말 러시아에서 결성됐다. 그것은 퇴폐와 함께 깊은 정신적 위기의 산물이었지만 현실 문학과 반대되는 방향으로 예술적 진실을 자연스럽게 추구한 것에 대한 반응이었다.

이 운동은 모순과 현실을 벗어나 영원한 주제와 관념의 영역으로 나아가려는 일종의 시도가 되었다.

상징주의의 발상지 프랑스가 되었습니다.진 모레아스는 자신의 선언문 “Le 상징주의”에서 처음으로 그리스어 기호론(기호)에서 새로운 운동에 이름을 붙였습니다. 예술의 새로운 방향은 Nietzsche와 Schopenhauer의 작품과 Vladimir Solovyov의 "The Soul of the World"를 기반으로했습니다.

상징주의는 예술의 이데올로기화에 대한 폭력적인 반응이 되었습니다. 그 대표자들은 전임자들이 그들에게 남긴 경험을 바탕으로 지도를 받았습니다.

중요한!이러한 경향은 어려운 시기에 나타나며, 가혹한 현실에서 벗어나 이상적인 세계로 나아가려는 일종의 시도가 되었다. 문학에서 러시아 상징주의의 출현은 러시아 상징주의 컬렉션의 출판과 관련이 있습니다. 여기에는 Bryusov, Balmont 및 Dobrolyubov의 시가 포함되었습니다.

주요 특징

새로운 문학 운동은 유명한 철학자들의 작품에 의존하고 무서운 현실로부터 숨을 수 있는 곳을 인간의 영혼 속에서 찾으려고 노력했습니다. 주요 내용 중 상징주의의 특징러시아 문학에서는 다음이 구별됩니다.

모든 비밀스러운 의미의 전달은 상징을 통해 이루어져야 합니다.
그것은 신비주의와 철학적 작품을 기반으로합니다.
단어의 여러 의미, 연관 인식.
위대한 고전의 작품을 모델로 삼습니다.
예술을 통해 세상의 다양성을 이해하는 것이 제안됩니다.
나만의 신화를 만들어 보세요.
특별한 관심리드미컬한 구조로.
예술을 통해 세상을 변화시키겠다는 생각.

신문학파의 특징

새로운 상징주의의 전신 일반적으로 받아들여진다 A.A. Fet 및 F.I. Tyutcheva. 그들은 미래 운동의 첫 번째 특징인 시적 연설에 대한 인식에 새로운 것을 제시한 사람들이 되었습니다. Tyutchev의 시 "Silentium"의 대사는 러시아의 모든 상징주의자들의 모토가 되었습니다.

새로운 방향을 이해하는 데 가장 큰 공헌은 V.Ya였습니다. Bryusov. 그는 상징주의를 새로운 문학 학파로 여겼습니다. 그는 이 시를 '힌트의 시'라고 불렀는데, 그 목적은 '독자를 최면에 걸리게 하기 위함'이라고 명시되어 있습니다.

작가와 시인이 전면에 나선다. 예술가의 성격과 내면세계.그들은 새로운 비평의 개념을 파괴합니다. 그들의 교육은 국내 위치를 기반으로 합니다. 보들레르(Baudelaire)와 같은 서유럽 사실주의의 전임자들에게 특별한 관심이 기울여졌습니다. 처음에 Bryusov와 Sologub은 모두 작업에서 그를 모방했지만 나중에는 자신의 문학적 관점을 찾았습니다.

외부 세계의 대상은 내부 경험의 상징이 되었습니다. 러시아 상징주의자들은 러시아의 경험과 외국문학, 그러나 새로운 미적 요구 사항으로 인해 굴절되었습니다. 이 플랫폼은 타락의 모든 징후를 흡수했습니다.

러시아 상징주의의 이질성

신흥 실버 에이지 문학의 상징주의는 내부적으로 동질적인 현상이 아니 었습니다. 90년대 초에는 나이가 많고 젊은 상징주의 시인이라는 두 가지 움직임이 두드러졌습니다. 오래된 상징주의의 표시는 시와 그 내용의 사회적 역할에 대한 특별한 견해였습니다.

그들은 이러한 문학적 현상이 언어 예술 발전의 새로운 단계가 되었다고 주장했습니다. 작가들은 시의 내용 자체에는 덜 관심이 있었고 예술적 쇄신이 필요하다고 믿었습니다.

운동의 젊은 대표자들은 주변 세계에 대한 철학적, 종교적 이해를 고수했습니다. 그들은 장로들에게 반대했지만 러시아시의 새로운 디자인을 인식하고 서로 뗄 수 없다는 사실에만 동의했습니다. 일반 테마, 이미지 단합된 비판적 태도사실주의에. 이 모든 것이 1900년 Libra 잡지의 틀 내에서 그들의 협력을 가능하게 했습니다.

러시아 시인 목표와 목적에 대해 서로 다른 이해를 가지고 있었다러시아 문학. 오래된 상징주의자들은 시인이 순전히 예술적 가치와 개성의 창조자라고 믿습니다. 젊은 사람들은 문학을 생명을 건설하는 것으로 해석했고, 그 유용성이 사라진 세상은 무너지고 높은 영성과 문화를 바탕으로 세워진 새로운 세상으로 대체될 것이라고 믿었습니다. Bryusov는 이전의 모든 시는 "꽃의 시"였으며 새 시는 색상의 색조를 반영한다고 말했습니다.

세기 전환기 문학에서 러시아 상징주의의 차이점과 유사점을 보여주는 훌륭한 예는 V. Bryusov의시 "The Younger"입니다. 그 안에서 그는 자신의 반대자들인 젊은 상징주의자들에게 연설하고 그들이 그토록 신성하게 믿는 영혼 정화의 신비주의, 조화, 가능성을 볼 수 없다는 사실을 한탄합니다.

중요한!하나의 문학 운동의 두 가지 분파 사이의 대립에도 불구하고 모든 상징주의자들은 시의 주제와 이미지, 그리고 벗어나려는 열망으로 뭉쳤습니다.

러시아 상징주의의 대표자

고위 지지자 중에는 Valery Yakovlevich Bryusov, Dmitry Ivanovich Merezhkovsky, Konstantin Dmitrievich Balmont, Zinaida Nikolaevna Gippius, Fyodor Kuzmich Sologub 등 여러 대표자가 특히 두드러졌습니다. 이 시인 그룹의 개념 개발자 및 이념적 영감 Bryusov와 Merezhkovsky가 고려되었습니다.

"젊은 상징주의자"는 A. Bely, A.A. Blok, V. Ivanov.

새로운 상징주의 테마의 예

새로운 문학 학교의 대표자들에게는 외로움의 특징적인 주제. 멀리 떨어져 있고 완전한 고독 속에서만 시인은 창의력을 발휘할 수 있습니다. 그들의 이해의 자유는 일반적으로 사회로부터의 자유입니다.

사랑의 주제는 "사랑은 지글지글 끓는 열정"이라는 반대편에서 다시 생각되고 보입니다. 그러나 그것은 창의성에 장애가 되고 예술에 대한 사랑을 약화시킵니다. 사랑은 비극적인 결과를 초래하고 고통을 주는 감정이다. 반면에 그것은 순전히 생리적인 매력으로 묘사된다.

상징주의자들의 시 새로운 주제 열기:

도시화(과학과 진보의 중심지로서 도시를 기념)라는 주제입니다. 세계는 두 개의 모스크바로 나타납니다. 어두운 길이 있는 오래된 도시와 새로운 도시는 미래의 도시입니다.
반도시주의라는 주제. 오래된 삶에 대한 일종의 거부로서 도시의 영광.
죽음의 테마. 상징주의에서는 매우 흔했습니다. 죽음의 동기는 개인적인 차원뿐만 아니라 우주적 차원(세계의 죽음)에서도 고려됩니다.

발레리 야코블레비치 브리우소프

상징 이론

시의 예술적 형식 분야에서 상징주의자들은 혁신적인 접근 방식을 보여주었습니다. 그것은 이전 문학뿐만 아니라 고대 러시아 및 구전 민속 예술과도 분명한 연관성을 가지고 있었습니다. 그들의 창작이론은 상징개념에 바탕을 두고 있다. 기호는 일반적인 기술이다민속시와 낭만적이고 사실적인 예술 모두에서.

구전민속예술에서 상징은 자연에 대한 인간의 순진한 생각을 표현한 것이다. 전문 문학에서는 사회적 지위, 주변 세계에 대한 태도 또는 특정 현상을 표현하는 수단입니다.

새로운 문학 운동의 지지자들은 상징의 의미와 내용을 재고했습니다. 그들은 그것을 예술가나 철학자의 상상에 의해 창조된 또 다른 현실의 일종의 상형문자로 이해했습니다. 이 전통적인 기호는 이성이 아니라 직관으로 인식됩니다. 이 이론을 바탕으로 상징주의자들은 눈에 보이는 세계는 예술가의 펜을 쓸 가치가 없으며, 침투를 통해 상징이 되는 신비로운 세계의 눈에 띄지 않는 복사본일 뿐이라고 믿습니다.

시인은 암호해독자 역할을 했고, 시의 의미를 숨긴다우화와 이미지 뒤에.

M. V. Nesterov의 "Vision to the Youth Bartholomew"(1890) 그림은 종종 상징주의 운동의 시작을 보여줍니다.

상징주의자들이 사용하는 리듬과 비유의 특징

상징주의 시인들은 음악을 예술의 가장 높은 형태로 여겼습니다. 그들은 시의 음악성을 위해 노력했습니다. 이를 위해 전통적인 기술과 비전통적인 기술이 사용되었습니다.. 그들은 전통적인 것을 개선하고 유포니(언어의 음성학적 능력) 기술로 전환했습니다. 상징주의자들은 시에 특별한 장식성, 그림 같은 느낌, 유포니를 부여하기 위해 이를 사용했습니다. 그들의 시에는 사운드 사이드의미론을 지배하므로 시는 음악에 더 가까워집니다. 서정적 작품은 의도적으로 조화와 두운으로 가득 차 있습니다. 선율은시를 만드는 주요 목표입니다. 그들의 창조물에서 실버 시대의 대표자로서 상징주의자들은 줄 바꿈, 구문 및 어휘 구분을 제거하는 것뿐만 아니라 제거에도 관심을 기울입니다.

시리듬 분야에서도 활발한 활동이 이루어지고 있다. 상징주의자들은 다음을 주목한다. 민속 검증 시스템,그 구절은 더 이동적이고 자유로웠습니다. 리듬이 없는 시인 자유시에 대한 호소입니다(A. Blok “나는 서리에서 붉어졌습니다”). 리듬 분야의 실험을 통해 시적 표현의 개혁을 위한 조건과 전제 조건이 마련되었습니다.

중요한!상징주의자들은 서정적 작품의 음악성과 선율을 삶과 예술의 기초로 여겼습니다. 그 당시 모든 시인들의 시는 선율이 뛰어나 음악 작품을 매우 연상시킵니다.

실버 에이지. 1부. 상징주의자.

은시대의 문학. 상징주의. K. 발몬트.

결론

문학 운동으로서의 상징주의는 오래 가지 못했으며, 1910년에 마침내 붕괴되었습니다. 그 이유는 다음과 같습니다. 상징주의자들은 의도적으로 주변 생활에서 자신을 차단합니다.. 그들은 자유시의 지지자들이었고 압력을 인식하지 못했기 때문에 그들의 작품은 사람들이 접근하기 어렵고 이해할 수 없었습니다. 상징주의는 고전 예술과 상징주의 전통을 바탕으로 성장한 일부 시인들의 작품과 문학에 뿌리를 내렸습니다. 따라서 사라진 상징주의의 특징은 여전히 문학에 존재한다.

주요 학파 및 방향 1. 상징주의: Frans von Stuck(독일) Klimt와 Schiele(오스트리아) 2. Pont-Aven 학교 예술가들의 작품(1885): Paul Gauguin(프랑스) 3. 야수파 예술가들의 작품: Henri Matisse, 루소(프랑스) 4. 오브리 비어즐리(영국) 주인공 COLOR

프란츠 폰 슈투크(Franz von Stuck), 1863 -1928 독일 화가이자 조각가 유겐트슈틸(Jugendstil) 대표, 뮌헨 탈퇴(1892) 창시자 중 한 명. 대표작 : <살로메>, <스핑크스의 키스>, <신>, <루시퍼>

탈퇴는 바보입니다. Sesession, 위도에서. secessio - 출발, 분리, 별거), 19세기 초부터 독일과 오스트리아의 여러 예술 단체의 이름입니다. 20세기 ; 학문적 교리를 거부합니다. 아르누보 스타일을 옹호합니다.

구스타프 클림트(GUSTAV KLIMT), 1862-1918 아르누보 시대의 가장 세련된 예술가 중 한 명, 오스트리아 화가, 비엔나 분리파의 창시자이자 회장 중 한 명. 20세기 초 그의 공개적인 에로틱한 그림은 세련된 비엔나 대중에게 충격을 주었습니다. .

Albert Aurier - 시인이자 평론가, 서유럽 문화의 상징주의 프로그램 저자 1886 - "문학의 상징주의 선언문"; 1891 – "회화의 상징주의 선언" 예술 요구 사항: 1. 예술은 상징적이고 장식적이며 주관적이어야 합니다. 2. 예술은 야외 회화의 원리를 거부합니다. 3. MEMORY에서 작성해야 합니다.

Paul Gauguin - "합성" 스타일의 주요 특징: 이미지의 평탄성, 장식성, 일반화. 구성은 정적입니다. 주요 작품 : "천사와 야곱의 레슬링"- 종합주의의 화보 선언문, "신의 날", "우리는 누구입니까?" 우리는 어디서 왔나요? 우리는 어디로 가는 걸까요? " - 그림 유언

“원시적인 것에서 언제나 위안을 찾을 수 있다” - 폴 고갱의 성실함, 순수함, 자발성, 근원에 대한 친밀함 - 자연

색상의 신비 원색: 파란색, 노란색, 빨간색 합성(복잡한 색상): 보라색, 녹색, 주황색 1829년 - 괴테와 들라크루아의 보색법 발견

인상주의 1874 1. 예술가는 캔버스에 나타나는 광학적 인상을 지정합니다. 2. 현실의 충실한 재현은 예술가가 아는 것이 아니라 보는 것에 기초합니다. 3. 세상은 존재하는 것이 아니라, 세상이 되어가고 있다.

1874 -1886: “거절된 자의 살롱”, 8회 전시회 Claude Monet Edouard Manet Auguste Renoir Paul Cézanne Edgar Degas Alfred Sisley Claude Pissarro “요즘은 모든 것을 설명하려고 하지만 그림을 설명할 수 있다면 더 이상 예술이 아닙니다. 예술이 갖추어야 할 두 가지 자질이 무엇인지 말씀해 볼까요? 그것은 형언할 수 없고 흉내낼 수 없는 것이어야 한다." - 르누아르

에드가 드가(1834~1917) 화가, 그래픽 아티스트, 조각가로 파리 미술 학교에서 공부했습니다. 그는 인상주의와 반대되는 원칙을 주장했다. “그리지 않고도 관찰하고, 관찰하지 않고 그린다.” 그는 그림에 새로운 주제를 도입했습니다. 일상생활, 명절의 비하인드 스토리...

"욕실" 1885,

'별' 1877년, 오르세 미술관, 파리

<머리를 빗는 여인> 1885년, 에르미타주, 상트페테르부르크

<발레리나와 우산을 쓴 여인> 1882

<굴하는 발레리나들> 1885

Auguste Renoir (1841 -1919) 화가, 그래픽 아티스트, 조각가 젊었을 때 그는 도자기 화가로 일했고, 커튼과 부채를 그렸습니다. 1862 - 1864년 Renoir는 파리의 Ecole des Beaux-Arts에서 공부했습니다. 주요 주제: 연극, 누드(누드) ), 일상 생활

목욕 후 1888

<소파에 앉아 있는 벌거벗은 여인> 1876

"우산" 1881-1886 내셔널 갤러리, 런던

"쟌느 사마리(Jeanne Samary)" 1877년, 박물관. A. S. 푸쉬키나

"롯지"1874

신인상주의, 1885년 이래 조르주 피에르 쇠라(Georges Pierre Seurat) - “점묘법”, 신인상주의의 창시자. 폴 시냐크(Paul Signac) - “점묘법”. 색상을 구성 요소로 분해하는 주요 이론가입니다. 주요 작품은 '외젠 들라크루아에서 신인상주의까지'이다. 마리나' 장르의 작품

1. 예술적 운동으로서의 상징주의

2. 상징의 개념과 상징의 의미

3. 상징주의의 형성

3.1.서유럽 상징주의

3.2.프랑스의 상징주의

3.3.서유럽의 상징주의

4. 러시아의 상징주의

5. 현대 문화에서 상징주의의 역할

결론

SYMBOLISM(프랑스 상징주의, 그리스 기호, 기호, 식별 표시에서 유래)은 1880~1890년에 프랑스에서 형성되어 20세기에 많은 유럽 국가의 문학, 회화, 음악, 건축 및 연극 분야에서 널리 퍼진 미학적 운동입니다. 19~20세기 상징주의는 미술사에서 '은시대'라는 정의를 얻은 같은 시기 러시아 미술에서 매우 중요했습니다.

상징이라는 이름 자체는 식별 표시인 표시로 번역되는 그리스어 기호론(symbolon)에서 유래되었습니다. 예술에서 상징은 보편적인 미적 범주로 해석되며, 한편으로는 인접한 예술적 이미지 범주, 다른 한편으로는 기호 및 우화와의 비교를 통해 드러납니다. 넓은 의미에서 상징은 의미 측면에서 취한 이미지이고, 기호이며, 이미지의 모든 유기성과 무한한 모호성을 부여받은 기호라고 할 수 있다.